篇一：摄影毕业论文2000字
摄影毕业论文开题报告
摄影毕业论文开题报告
在学习、工作生活中，越来越多人会去使用报告，通常情况下，报告的内容含量大、篇幅较长。一听到写报告马上头昏脑涨？下面是小编收集整理的摄影毕业论文开题报告，希望能够帮助到大家。
摄影毕业论文开题报告1毕业论文题目：我眼中的“摄影”
选择目的和意义：
我摄影，我拍照，我选择了摄影专业就是想让更多的人来热爱自然，热爱这个本应当充满爱的世界。摄影机器，技巧固然重要，但是，在我心中，最重要的是照片的主题，也就是照片的精神，只有技巧的影像，只能是给人1种视觉冲击，但是要达到从视觉冲击到心灵冲击，那才是真正的杰作吧。我进行的所有拍摄都想告诉看的人，大自然的美丽，从来就在我们身边，各种思想也1直在我们身边漂泊，只要认真去发现，你就会让自己置身其间。认真的去发现，我们1样可以成为摄影的行家，只要记得作品是为了什么，记得作品是在说明我们的内心就足够。
主要研究内容：
主要想研究下到底什么是摄影，什么是好的照片？种种类别的摄影，摄影是绝对不能脱离现实的。
我觉得摄影也是有灵魂所在的，要捕捉那美的瞬间，想想摄影的灵魂所在。
还有的是关于摄影的外在，外在会有很多原因，比如构图，要把那经常的瞬间表现在构图上，照片才能精彩。
什么有是好的照片，更精彩的照片呢，要怎么拍出来呢？这是我研究重点，基本上认为要拍出好的照片肯定是要有着基本的摄影知识，构图以及技巧，最重要的是努力，不断的拍摄，不停的拍摄，每次摄影都要做到认真对待，培育出自己的个性来提高自己的技术。同时还要多看照片，多学习，在别人的照片里取长补短，找灵感。
我认为大量拍摄认真拍摄是最重要，要学习那些摄影大师，他们认真专心，追求完美的态度是他们成功的根本。
摄影毕业论文开题报告2毕业论文题目：
我眼中的“摄影”
选择目的和意义：
我摄影，我拍照，我选择了摄影专业就是想让更多的人来热爱自然，热爱这个本应当充满爱的世界。摄影机器，技巧固然重要，但是，在我心中，最重要的是照片的主题，也就是照片的精神，只有技巧的影像，只能是给人一种视觉冲击，但是要达到从视觉冲击到心灵冲击，那才是真正的杰作吧。我进行的所有拍摄都想告诉看的人，大自然的美丽，从来就在我们身边，各种思想也一直在我们身边漂泊，只要认真去发现，你就会让自己置身其间。认真的去发现，我们一样可以成为摄影的行家，只要记得作品是为了什么，记得作品是在说明我们的内心就足够。
主要研究内容：
主要想研究下到底什么是摄影，什么是好的照片？种种类别的摄影，摄影是绝对不能脱离现实的。
我觉得摄影也是有灵魂所在的，要捕捉那美的瞬间，想想摄影的.灵魂所在。
还有的是关于摄影的外在，外在会有很多原因，比如构图，要把那经常的瞬间表现在构图上，照片才能精彩。
什么有是好的照片，更精彩的照片呢，要怎么拍出来呢？这是我研究重点，基本上认为要拍出好的照片肯定是要有着基本的摄影知识，构图以及技巧，最重要的是努力，不断的拍摄，不停的拍摄，每次摄影都要做到认真对待，培育出自己的个性来提高自己的技术。同时还要多看照片，多学习，在别人的照片里取长补短，找灵感。
我认为大量拍摄认真拍摄是最重要，要学习那些摄影大师，他们认真专心，追求完美的态度是他们成功的根本。
【拓展阅读】
主要课程：美术基础、美术欣赏、照明技术、摄影技术与技巧、摄影构图、特技摄影、非线性编辑、摄影造型、广告摄影等等。
核心课程：数码摄影实用技艺、数码影像基础、摄影构图、摄影美学、摄影照明、摄影曝光控制、数码图形图像制作；新闻摄影、纪实摄影、风光建筑摄影、民俗艺术摄影、内外景婚纱摄影、商业广告摄影、平面色彩构成、版式设计、世界摄影史、中国摄影史、摄影图片鉴赏等课程。
教学环节：包括认识实习、毕业实习等。认识实习在寒、暑假中完成，毕业实习般安排20周。
培养要求
专业学生主要学习艺术学、文学、美学。电影、电视、广告艺术与技术等方面的基础理论和基本知识，受到电影摄影、电视拍摄、广告制作等方面的基本训练，掌握电影摄影、电视摄像、广告摄影和图片摄影创作的基本能力。
毕业生应获得以下几方面的知识和能力：
1、掌握摄影专业所需的基本理论、基本知识；
2、掌握电影、电视、广告、图片的摄影创作和制作方法；
3、了解党和国家的艺术、新闻方针、政策和法规；
4、了解电影、电视、广告艺术的理论前沿、应用前景和发展动态；
5、掌握文献检索、资料查询的基本方法，具有一定的科学研究和实际工作能力；
6、具备较高的理论修养，创造能力和动手能力。
篇二：摄影毕业论文2000字
浅谈黑白摄影的视觉表现
摘
要
如今的我们生活在一个色彩斑斓的世界中，变幻莫测的色彩变换让我们应接不暇。而在这样一个斑斓的世界之中，黑白摄影却以其持久的生命力展示出了不一样的视觉体验，将黑白所能包含的艺术性与创造力全盘托出的展示在人们的眼前，用不一样的情感体验带来了新的想象力。用黑白去概括一件事，其实是非常有趣且富有挑战性的工作，黑白摄影具有的深刻内涵其实比彩色作品，更吸引人的注意力，完全的黑白灰三色过度来细腻的展示事物画面，可以感受到层次与质感，从作品中可以展示出摄影师的审美艺术与内在精神。黑白摄影不会像彩色摄影那样通过靓丽的色彩去吸引人们的关注，而是要靠黑白灰三色的过渡与延展来细腻的体现事物形象，层次性与质感度都可以通过黑白摄影作品来体现。本论文通过对黑白摄影中一些概念的解读，同时对黑白摄影拍摄技巧对视觉表达的影响因素进行总结分析，进而总结出黑白摄影作品中表达出的视觉情感与艺术表现。
关键词：黑白摄影；视觉表现；视觉体验；细腻
Abstract
Todayweliveinacolorfulworld,letuswiththevagariesofthecolortransformation.Insuchabeautifulworld,blackandwhitephotographyhastheLastingvitalityshowdifferentvisualexperience,theartofblackandwhitecancontainandcreativitycomeshowinfrontofpeople,notthesameemotionalexperiencehasbroughtnewimagination.Withblackandwhitetosummarizeathing,infact,isaveryintereatingandchallengingwork,blackandwhitephotographyinfactmorethancolortoattractpeople’sattention,complerelyblackandwhitegraycolortoshowsomethingexquisitepicture,canfeelthelevelandtexture,fromtheworkscanshowtheaestheticandspiritualphotography.Blaskandwhitephotographydoesnotlikethecolorphotographerasthebeautifulcoloestoattractpeople’sattention,butthetransitionandextendedbygreyblackandwhitecolourtothetransitionandestendedbygreyblackandwhitecolourtothedelicatethingsreflectedimage,hierarchyandthetexturedegreecanbereflectedbytheblackandwhitephotographicworks.Inthispaper,throughtheinterpretationofsomeoftheconceptsofblackandwhitephotos,atthesametime,blackandwhitephotographyskillstoanalyzetheinfluencingfactorsofvisualexpression,andthensummedupthevisionofemotionandartisticexpressionofblackandwhitephotographicworks.
Keyword:
Blackandwhitephotography；Visualperformance；Visualexperience；Exquisite
目
录
引言
··································一、黑白摄影中的灰度
··························二、黑白摄影与彩色摄影的表现力区别
···················三、黑白摄影拍摄技巧对视觉表达的影响
··················（一）光的选择
····························（二）构图的选用
···························（三）主题的突出
···························（四）质地的选取
···························四、黑白摄影作品表达出的视觉情感与艺术表现
···············（一）黑白摄影作品表达出的视觉情感
··················（二）黑白摄影作品表达出的艺术表现
··················五、结论
································参考文献
································
1112222333456引
言
黑白摄影是采用黑白灰来进行艺术表现的摄影形式，独特的艺术氛围是对现实世界的一种抽象表达，通过对反差、文理、用光等不同形式拍摄手法来展示图画层次的摄影形式。综合比较黑白摄影与彩色摄影，可以发现黑白摄影具有高度的概括能力，强调的是一种抽象艺术。黑白摄影所呈现出的厚重感与光影质感，具有深刻的视觉魅力，对于摄影作品的情感表达具有很好的媒介作用。如果这个世界没有了黑白摄影，那就会失掉一大部分对于情感和情绪的表现，就会错失那些无与伦比且情感丰富的黑白摄影艺术。
一、黑白摄影中的灰度
在黑白摄影中最常见的一个名词，灰度是对摄影作品中的灰色阴影与缺乏出黑白灰之外颜色的一种指代，黑白摄影与灰度概念紧密相连。如果用物理学概念来讲，灰度值得是黑色、白的和大量不同层次灰度组成的一个色谱，而这个色谱的主要色调就是黑色和灰色，以此形成一个不同层次的灰度尺。因此灰度尺所表达的意思是不同程度的灰色，而黑色和白色已经包含在了其中，是灰色的两个极端颜色。
二、黑白摄影与彩色摄影的表现力区别
黑白摄影是先于彩色摄影出现的，而且基于黑白摄影发展历史与成就，许多在黑白摄影中的技巧和规律被盲目的使用在彩色摄影之中，往往结果不如预期的那样好，很多摄影师希望用照相机将所看到的一切真实的再现和反映，但是他们没有理解照相机其实还有一定的转化与抽象能力，而且根据相关的对比来说，黑白摄影这种再现的能力十分强大，黑白摄影不仅可以将看到的一切如实反映，还能够将欣赏者的注意力全部集中在摄影作品中，如果能够这样的充分表达，那这样的摄影作品就是非常出色的。
而彩色摄影作品中单纯的画面可以很好的表现出来，能够将其中复杂的摄影形象清晰明快的表现出来，这样看来黑白摄影比彩色摄影的说服力更强一些。两种不同形式摄影作品所表达出的情感不同，阴暗的整体表现会让人产生神秘而寂寞的感觉，阴影的暗调会传递一种空虚或忧伤的情绪，观者会不自主的被作品中的落寞情绪吸引，会不自主的被作品中的落寞情绪吸引，会有一种力量让人看到司空见惯之后的一种美感[1]。而彩色作品中的明丽会让人感受到活力和欢乐，视觉的色彩冲突效果达到了极致。
黑白摄影中对于作品情感的表达控制，正是彩色摄影所缺乏的内容，对于黑白摄影来说，它的技术性表达和所展示出的美是不同的，是不一致的表达。通过对曝光和显影的选择，才能够最终确定摄影作品的影调，适当夸大和缩小对于作品层次的表达，才能拍摄出吸引人的效果。
三、黑白摄影拍摄技巧对视觉表达的影响
黑白摄影是最考验摄影时实力的一种形式，其实最朴素而简洁的画面才是最能吸引人的作品，除了摄影师的灵感与眼力，在黑白摄影中对于拍摄技巧的掌握，可以更好的将视觉艺术进行表达。彩色摄影作品更加看重的是色彩赋予作品的活力与生机，而黑白摄影则更加内涵性的通过对光源、主体、视角、构图等不同因素的技巧表达，来增加画面的冲击力。
（一）光的选择
自然界中发光的物体统称为光源，彩色摄影可以通过色彩来展现图片活力，而黑白摄影的着重点之一就体现在光上，光的多少、光的反响、光的质量等等因素都会影像作品的效果，因此，注重光的选择，才能使得作品更有张力。对于黑白摄影来说，灰度尺中色彩的选用是黑白摄影的主要色调，它不能用色彩的强烈对比与差异表达来展示细节，因此黑白摄影只能利用光线，在黑白摄影中即使是漫天的白云它也是灰色的。而在使用光线进行摄影记录的时候，顺光、逆光、侧光的不同方向，可以根据照片深度、维度和细节展示的程度来定。不同的光线选用对于黑白摄影中阴影和对比度会产生强烈对比效果，对于欣赏者的视觉张力会非常可观[2]。直射的光线会造成一定的阴影，而柔和的光线会有层次渐变，阴暗的光线会与光亮产生强烈对比，这都是设一个技巧的表达。
（二）构图的选用
光线和阴影对于黑白摄影作品来说是主题的表达，同时也是对摄影者的一种实力考验，因此要通过不同的构图形式来增加黑白摄影作品的视觉表现。光线与构图的结合如果达到一种和谐，则摄影作品就是完美的，而错误的选用则会因为成像过暗而导致作品失败。如果在拍摄过程中没有颜色的对比，那就要考虑拍摄主体的形状来进行描述和渲染，而形状的获得可以通过对光线的异形遮挡来对阴影区的形状进行表达。色彩作品中的各种绚丽色彩会吸引摄影者的注意，会使得作品中的轮廓文理表达不自然，甚至是模糊的。而在黑白摄影作品中轮廓与图案要保证一定的突出效果，而且要更加凝练的对构图形式进行描绘。黑白摄影的质感、线条、韵律与角度对于构图都有相当大的影响，可以更好的控制构图形式与画面语言，对于视觉的表现也是事半功倍的。
（三）主题的突出
黑白摄影为我们营造的是一个单色的纯度世界，黑白摄影是摄影的始祖，在这里面只有黑白灰三种颜色，难以言说的颗粒感以及迷人的质感、传神的魅力和视觉上的冲击力令人着迷。物体的表现也只有明亮和阴暗两种形式，因此在表达事物和观看摄影作品的时候一定要考虑情绪的明暗[3]。黑白摄影作品中的主体大都会给人一种神秘、幽暗的气息，尤其是在纪实题材的摄影作品中，黑白摄影运用的更多，作为一种怀旧、厚重的情绪媒介，黑白摄影就像一个见证者一样在当下记录出这些内容和片段，这样的主题突出对于视觉来说是巨大的冲击，同时造成的思想冲突也是巨大的，会让人对于这样的质感表达难忘、回味。
（四）质地的选取
黑白摄影让人有一种回归的感觉，因此黑白摄影中的质地选择非常重要，想要拍摄出好的黑白摄影作品，就一定要用相适应的材料来增强主体的灰度效果，也就是要找一些自然质地的材料来使其黑白变换达到一种质地的层次展示。黑白摄影的重要价值就是对于那一瞬精彩的把握，以此来捕捉一瞬间的生动。如果身边有非常好的质地材料选择，那就一定要选择黑白摄影来进行表达，例如金属、木质、或者有重复图案的质地材料，选择黑白摄影会起到非常好的视觉效果。而且在进行拍摄内容质地选择时候，还要多注意拍摄物体的对称性不能将材料的特征被细节和光线所隐藏，要重点突出这种特点，这样才能让欣赏者真正抓住这样的特征进行视觉欣赏，看到其中真正的美丽。
四、黑白摄影作品表达出的视觉情感与艺术表现
（一）黑白摄影作品表达出的视觉情感
在生理学上人眼对于黑白灰三色的敏感程度要比彩色更高，特别是黑色和白色可以极大的唤起人眼对于色彩的视觉冲突敏感性，当人眼处在对于摄影作品的欣赏过程中时，所看到的是具有客观真实性的艺术表达。如果将摄影当做一门艺术来看的话，那黑白摄影绝对不是场景的机械复制，而是摄影者通过这种形式将事物以叙事的形式进行艺术表达。黑白摄影所真正表达出的魅力就是将多余的东西隐藏，使得画面更加凝练，通过对不同灰色质感的运用使所有情绪和气氛渲染的恰到好处，通过视觉的影响让人心生满足。
一直以来风光摄影和社会纪实的摄影作品一般都会选用黑白摄影，摄影者通过对嘈杂颜色的过滤，留下可以直冲内心的艺术创作想象，引导欣赏着在摄影者创立的空间中畅游。其实黑白摄影为我们带来的视觉感受不仅仅是怀旧，还是一种独特艺术形式的表达[4]。在以白色和浅灰色为主的高调摄影作品中，在视觉上会给人带来膨胀性和高昂的情绪，会让欣赏者感受到愉悦、甚至震撼的感觉。而低调的摄影作品是以大面积暗色为基调的摄影作品，会显的更加庄严肃穆，在视觉上会让欣赏者视觉收缩，以作品中的气氛来进行铺展，刻画出环境的低沉。因此黑白摄影作品达到的是一种形神兼备的视觉效果，表现力更加的直接、真实。
（二）黑白摄影作品表达出的艺术表现
黑白的摄影艺术表现是通过画面结果等众多因素进行的全面表达，黑白两种颜色是对于整个世界上色彩的一种高度概括，是一种凝练的艺术表现。在平面摄影和造型中黑白是最朴素大方、最简约经典，同时也是最强烈有生机的色彩语言。黑白两色相辅相成彼此影响和依偎，任何一种颜色的缺失都会让黑白摄影变得乏味。黑白摄影的艺术表现可以准确的将作品内容的美学思想和精神内涵进行淋漓尽致的表达[5]。
黑白摄影作品在内容上一般是对生活和审美的一种表达，在形式上则是对于规律和艺术的一种依附，因此拍摄出的作品要符合一定的美学规律，还要符合人们心中对于艺术形象的一种追求与符合。现代黑白摄影作品通常用灰度变换来保证物体色彩的循序渐进的变换，因此进行的不是1:1的场景再现，是一种艺术化
的失真。任何艺术其实都是一种表现而已，不是真正的现实表现，要分清其中的区别，摄影就是一种暂时的时间凝结，是现实与艺术的一种距离美。因此黑白摄影用一种独特的艺术形式，张力性的为人们展示出的摄影的艺术魅力，使摄影的创作空间表达的更加真实、艺术、有气韵。
结
论
在欣赏一部黑白摄影作品的时候，通过视觉来主动调理黑白关系，我们在主体和客体间会存在一个互动的话题，在两者间会根据差异程度的影响而最终影响视觉效果和情感表达。黑白摄影去除了现实中的种种色彩，将影像全部处在了一种有力的状态之中，在黑和白的循环交替中，抽离于现实世界，将观者瞬间带入一种或飘忽、或迷离、或怀旧、或震撼的世界，拉大思维空间的距离，这样的距离就是一种心理与视觉上的差异距离。黑白摄影中的语言特征和彩色作品中的语言特征相比，特别是在风光摄影中，形态的虚实、情景的相互联系，可以将黑白摄影中的视觉表现表达到极致。
同样也是基于黑白摄影所表现出的这种距离感，作品本身就赋予了欣赏者更多的情感内涵，而且在许多影视剧作品中，我们也常常可以看到利用黑白形式的闪回来与现实世界产生断层。其实在如今这个色彩异常丰富的世界中，人们更加喜爱黑白带来的纯粹和自然，随着历史的发展，黑白摄影艺术中的情愫越来越饱满，对于欣赏者的视觉表现越来越充实。黑白摄影中两种极端色彩的艺术表达，为我们带来的是不朽的艺术和冲击的视觉感受，通过对拍摄技巧和视觉差异造成的抽象手段，简单的营造出纯粹的凝重感受，让人们在如今纷繁复杂的世界中可以找到朴素而高雅的一个场所，来静静欣赏生活的艺术。
参考文献
[1]黑白影调的魔力[M]，浙江摄影出版社，1999年；
[2]罗杨.简单的黑白和黑白的不简单[M]，中国艺术报，2001年；
[3]韦彰.摄影作品研究[M]，辽宁美术出版社,2005年；
[4]吕铭.摄影作品的艺术构成[J]，大众文艺，2010年；
[5]杨恩璞.摄影美学基础[M]，辽宁美术出版社，1997年；
[6]王宏力.黑白画理[M].沈阳：辽宁人民美术出版社，2007.
篇三：摄影毕业论文2000字
新闻摄影毕业论文
新闻摄影艺术是一个按照表现器材和材料划分的艺术范畴，大家写过新闻摄影类型的论文吗?以下是店铺为大家整理的关于新闻摄影的论文，欢迎大家参阅。
关于新闻摄影的论文篇一：浅议摄影艺术的形象与抽象
摄影是瞬间形象，它在事物内容结构发展的时间线上截留一个点;在事物形式结构展开的空间中记录一个面。所以照片形象包含着对事物内容理式的抽象和对事物形象形式的抽象。而时空却给摄影的表现能力有着极大的限制。
这局限主要是对事物内容结构的。
因为事物的瞬间形象，既带有个性，又具有共性。个性是事物在时间线上的来龙去脉，共性是事物在社会这个千丝万缕的纵横结构中的地位和作用。单幅照片表现个性已经不容易，表现共性则更难。这种时空局限并不能成为摄影师的永远束缚，所以摄影师并不想永远困在“全真”的枷锁内，要作调度时空关系的主人，于是有了与写实相对立的抽象表现的诞生。用某种形式抽象上的不真实、不合理，去表现理式抽象的合理与艺术的真实。故谓之“合理的歪曲”。
那么抽象艺术摄影还应该有其他的界限吗?第一，写实的摄影作品要符合“自然态”，表现正常的时空关系;抽象的摄影作品要符合“合理的歪曲”，表现非正常的经艺术家调度过的时空关系。这是同外面写实的界限。这既指非形象的抽象，因为它离开了原有形象的空间表现;也包括不离开形象的多时间形象的组合。从原来时空关系看，离开了它就不是写实了，而是抽象了。
第二，合理的歪曲可以是抽象美，但不合理的歪曲肯定是抽象丑。这是抽象作品内的一个界线。对“合理的歪曲”我用可以，不用肯定词，是把它当成是抽象的必要条件，而不当成充分条件，以便检验出那些胡乱拼凑起两张照片就自称是抽象美。这里我回避了怎么样才算是“美“这个标准的回答，因为同哥德巴赫猜想是数学皇冠上的一颗明珠，美的定义和趣味法则，也是美学皇冠上的一颗明珠。但是，作为摄影艺术的美必须具备的艺术的信息，即具有供审美的条件，无论
写实的还是抽象的作品，都应该具有意趣、形趣、技趣。意趣指的是内容美，反映社会美的理式结构;形趣是形式美，反映自然美的形式结构;技趣是艺术家个人的风格、技艺、传达能力的情趣，三者可以偏一，但不能缺一。
可见摄影艺术在表现方法上必须是形象的，而所要表现的内容则可以是形象的，也可以是抽象的。抽象的艺术作品想象力强，迂回婉转，意境深邃，不落俗套，表现手法新颖多变，是人们所欣赏和追求的。有人问，摄影画面如何能表达抽象的思想呢?摄影作品的思想性究竟如何来体现呢?这的确是一个值得研究的摄影美学和心理学的课题。摄影画面表达思想的方式主要是形象+形象所产UIWENXUE生的对观众思维的冲击力。
我们知道，生活中的一切事物都不是绝对静止地存在着，它总是与周围的事物有着纵向和横向的各种联系。事物的特征、本质、个性都只有在与其他事物的联系中才能充分展示出来。摄影者要深刻地反映生活，就要深刻地认识事物与事物之间的内在关联，并表达于画面之上，从而组织观众的思维逻辑，激发观众的联想力和理解力，深刻地传达其思想内容。这里必须强调的是，一幅作品的思想意义的表达，必须调动观众的思考，以它作为媒介才能完成。一种艺术形式总要与观众建立某种默契和心理联系，它规范着观众对这种艺术的感受方式和思维方式。
摄影艺术是用形象说话的，是以现实生活中形象与形象之间的关联来对生活作出解释和评价的，所以当日常生活中普通的形象，一旦被摄影者“框”住并以一定的形式组合排列在画面上，观众就要问一个为什么，并且努力去琢磨摄影者的意图，以自己的联想与想象去悟出其中的道理，产生欣赏的快乐。
摄影画面与观众的这种心理上的默契，就使得摄影画面形象具有了概括性和象征性的特点：一个人在画面上可以轻易代表一类人;一颗幼芽可以联系到春天;一个乞丐蹲在高楼面前可以看到社会贫富悬殊;等等。画面形象按其排列组合会产生一种内在的逻辑联系，能给观众的思维以明确无误的激发，画面正是以这种方式来表达思想的。例如：
摄影师拍摄一只鸽子安详地盘旋在五星红旗面前，这一形象组合将观众的思维引向深层，有了祖国同胞与台湾同胞盼望和平团聚的意义。由此可见，形象的选择和有序的安排，可以将思想信息存储于画面之中，又通过观众的联想、思考输入到观众自己的头脑之中，这是一个完整的思想信息的流通过程。
但是，作者贮存于画面之中的思想信息，并不是原封不动地、等量地被观众接受，它取决于作者对形象的选择和组织，以及观众本身的接受能力。首先，要想组织好观众的思维逻辑，作者自己对形象的内在关联必须清晰而富有逻辑性。其次，要想给观众思维以较大的冲击力，必须注意使形象蕴含丰富的思维层次。再者，在组织形象之间的关联时，还要注意将相互对立、对比的元素组织在画面之中，使思想内涵表达得更为鲜明深刻。人们常说：“人贵直，文贵曲。”观众对轻易获得的理解并不重视，而对经过思索才能得到的收获确较难忘怀。
摄影者要培养自己的创造性思维，培养对形象内涵和内在联系的洞察力和组织能力，从而组织好观众的思维逻辑，尤其在写实性的摄影中，它将大大加强作者的思想深度。抽象是不可能用照相机为它拍摄的，怎能设想，有谁能把贝多芬的交响曲拍成照片呢?贝多芬的交响曲我们是拍不下来，但是我们可以拍下乐队演奏的场面，拍下提琴独奏的特写镜头，拍下交响乐的五线谱，选择不同的角度去表现它，使人通过形象产生联想、思维，从而进入交响乐的意境之中，这就是摄影艺术的抽象性，也是摄影艺术的魅力。
著名摄影家莉奥托?利莱尔认为“线条是抽象摄影的重要组成部分”，拿线来讲，不同的线条从不同的角度、方向造成不同的抽象美。直线、斜线、曲线、弧线、横线的组合，变化莫测，趣味盎然。除了线条，还有黑白、虚实、色彩的冷暖、疏密等抽象性元素。摄影家在拍照时，将不同明暗的色块抽象，它们会在明亮程度、大小各异和位置不同的组合中，产生不同的虚实抽象和黑白抽象。有的摄影作品和其他文学、艺术一样，采用“一语双关”的手法，能够打开观者的思路，让人们都无限想象，这是抽象的艺术成果，可是有些摄影作品玩
弄光、影、色技巧，是虚无的，“抽象”到没有思想内容的地步，连作者自己也不知道想要表现什么，观者更是“不可想象”，“无从理解”的了。摄影艺术需要扬长避短，发挥优势，用“形象的摄影语言”去描绘抽象的世界。
关于新闻摄影的论文篇二：艺术摄影中虚拟影像的运用
作者：关若冬
单位：鞍山师范学院
我在窗前看着飘落的雪花，体会着悠悠荡荡消逝的年华，似乎听到了人类文明发展脚步的锵锵之音，心里清楚地知道:在我呆然的刹那，改变世界的手段又在发生着天翻地扭的变化。纵观人类发明创造的历史，各种发明随着时间的推移层出不穷，最后出现的往往是被认为最高级的、最先进的。摄影术就是其中之一。
摄影进入人们的生活才一百多年，以迅雷之势眨眼间从高高在上的所谓“贵族艺术”走进了普通人的世界;同时也成为了以艺术表现工具而划分的一个独立的艺术门类。作为一名从事摄影专业教学工作的教师，在这个围绕摄影而出现的问题和思考的漩涡里，我结合自己的所闻所见，瞄准点滴小节谈谈个人的理解。摄影活动是艺术活动的一部分，艺术摄影也可以算成摄影艺术中的一个门类。
“摄影艺术”，是一个按照表现器材和材料划分的艺术范畴。本人认为，就我国现在艺术活动的情况而言，不应该有过于严格的、看似互不相融的按照表现材料和手法上的艺术门类的划分，我强烈地感到，单纯的这种划分就是阻碍我国当代艺术发展的原因之一。艺术活动就是人类情绪的一种表达而已，它可以理性得如数字，也可以感性得若梦吃。无论如何，表达了创作者的情绪，让观者感受到了对自己情绪的影响，就足够了。这与表现材料之间真的有那么强大的关系吗?至于“艺术摄影”这个词，对它概念和范畴的理解，应随意一点。我不是认为应推倒这个艺术分类的方式，只是觉得现在流行的艺术形式分类的方法是不够完善的和科学的，同时应该有一个并列发展的、基于人类智慧和情绪特征理论基础上的艺术分类方式。当然这个分类也是有的，比如各种流派，还有主义什么的，但我们现在对于这个分类的重视程度仅停留在“拿来”和“祖传”的空间里，艺术发展的理论
研究不被重视的程度已经达到了前所未有的程度。
从事艺术创作工作的人，有一个共同的、从地面根基生长起来的主干，在主干的顶端，猛然分开，向着不同的千万个方向生长开来。至于“艺术摄影”这一个枝干的走向，我概括为一句话:结合最先进的生产力和生产关系，用最高级的工具创造、以凝固的影像表现人类思维中情绪和智慧超越前人的更高境界。
我写这篇文章的目的，就是明确艺术摄影在现在计算机处理技术充分发展的今天，确实迎来了一个新的契机，这是一个有着更广阔创作空间和更大影响能力的艺术摄影新纪元的开始。和绘画相比，绘画可以灵活地控制画面，传统摄影则不然，必须有一个相对真实具象的环境。在传统暗房工艺基础上，能置换调整好影像对象的空间位置是少数人的专利，具备这样能力的人就可以为师了;而现在数字化暗房，置换调整一个对象的位置是学生级别的最初级的训练内容。可见，艺术摄影已具备更强大的表现人类情绪的高能力，如果不抓住这个机会把艺术摄影推向一个崭新的高度，还等什么呢?计算机影像处理技术中环节很多，但首先就要提一下虚拟影像的问题。虚拟影像是经由计算机影像处理技术产生的，主要分成两种:一种是数字影像原始像素(像素:计算机的最小的影像单元，又名:像素点)经计算机处理以后变化了的像素，另一种就是完全由计算机虚拟创造出来的全新的像素。
虚拟像素的应用，首先一点，就是能扩大艺术摄影在影像表现处理手法上的技术空间，突破了好多传统光学暗房手段的技术难题，把艺术摄影推到了一个更高的艺术领域，好多以前只能存在在头脑中、以技术手段很难实现的艺术表达形式，如今可简单并快速地实现了。其次，因为是新兴的技术手段，所以这其中还有大量的空白有待进一步研究和开发.再次，艺术摄影的应用范围也得到了更广泛应用，与绘画、广告等行业的关系也越来越紧密。还有，艺术摄影师个人有了更大控制、调整手段之后，实现思维和情绪的表现能力及专业投入兴趣则得以大大的加强，同时必然也能吸引更多的其他专业人才投入到艺术摄影的创作队伍中，增强专业团体的影响力。
在虚拟影像处理软件上，最强有力的工具就是AdobePho姗hop。
Ado玩外俄。sh叩是准备从事艺术摄影工作的必修课程。Adobe外otosh叩平面处理功能非常强大，不论在影像的原始像素调节上还是在创造虚拟像素上，都有不凡的表现。那么，如果只想在改变原始像素的层面处理图像的话，那完全可以选择一些专业的小型图像处理软件，比如NikonCapture和光影魔术手。尽管AdobePho腼hop基本上都能实现这些小软件的功能，但这些小软件对比Adobe外。腼hop的优点是操作简单功能实用，缺点是只能在修改原始像素性质上实现比较强大和快速的功能，在虚拟全新像素功能上显得力不从心了。
还有一些软件，如3Dmax、犀牛、Ughtscape和Maya等，这些软件都是建立在三维模块基础上，能够虚拟出三维形状、透视、镜头、灯光和材质等，在全新的虚拟影像技术方面非常成熟，完全能达到以假乱真的地步。作为一个艺术摄影从业者，了解和使用这些软件，无疑也是丰富自己创作手段的重要利器。还有个值得一提的软件是CorelPainter，这是一个能在电脑上实现真实画笔功能的软件，本身就是一个在白背景下就可完成终极作品的工具软件，如果和摄影结合起来，表现力更是不可低估。
计算机技术高速发展的今天，影像技术日新月异，这是非常可喜的。不过，一些可悲的情况也随之出现了，记得有一位摄影界的前辈就曾经问过我:“你几秒钟用计算机做出来的照片效果，能享受到我在暗房里6个小时的乐趣吗?”是啊，确实享受不到!不过按照这种标准，我们都回到山洞里画画岩画，岂不是更加乐趣十足吗?还有2(X拓年某个风光摄影大赛，明确注明不要数字影像，试问，现在连新闻媒体都大t使用数字影像，一个艺术摄影范畴里的风光摄影赛，有什么否定先进的摄影设备的必要呢?难道就是感光CCD代替了感光胶片，就没有摄影艺术了?还有的人说用数字手段处理的影像不真实，那么胶片记录的就是真实吗?就连人脑在处理视网膜成像上每个人都会有一定不同，那么所谓的真实影像在哪里呢?我认为正是这个所谓的“不真实”成就了艺术摄影必将更加辉煌的明天。
虚拟影像技术是艺术摄影占有艺术领域的一个重要保障，是一个实现新一代潮流风格的重要手段。作为一个艺术摄影创作人，掌握虚
拟影像处理技术，是准备开拓我们美好未来的必要前提。
关于新闻摄影的论文篇三：新闻摄影与艺术摄影的探索
作者：王亚臣
单位：依安县文化馆
新闻摄影和艺术摄影都是以照相机为工具、以现实生活为表现对象、以瞬间形象反映客观事物的视觉媒介。纪实性、形象性、瞬间性是它们的共同特征。因此，有的人对新闻摄影和艺术摄影的关系混淆不清，以至影响了它们各自的发展。随着对摄影理论探讨的不断深入，尤其是新闻摄影改革异军突起，从理论到实践对几十年形成的模式都有了重大的突破，使人们对它们之间的共性与个性有了新的认识。
新闻摄影是新闻和摄影相结合的产物，是新闻传播的手段之一，也可以说是形象新闻。新闻摄影既然从属于新闻，就必然遵从于新闻规律。真实、准确、客观、及时地让读者了解新闻事件，是新闻摄影的首要任务。我们评价新闻摄影，不光要看画面“好看”，更重要的是看其有无新闻价值，看其影响社会舆论的效果如何。如一年一度的世界新闻摄影比赛(简称荷赛)的评选标准第一条就是看其是否是当今世界发生的重大的有影响的新闻事件，如“海湾战争”、“航天飞机失事”等举世瞩目的新闻事件。
而艺术摄影是一种新的艺术表现形式，所谓艺术是一种审美感情活动。摄影艺术的创作过程是摄影家表达审美感情的过程，从题材的选择到拍摄方法以至后期制作，都充满摄影家强烈的主观感情。它不能像摄影记者那样“机械”地反映客观事物，也不像新闻摄影那样注重宣传效果。他们追求的是个人主观感情的宣泄和审美现象的塑造。用较通俗的话说摄影记者追求的是再现，而摄影家追求的是表现。以上是从属性和功能等方面区别新闻摄影和艺术摄影的异同。下面从真实性角度进一步论述它们的区别。
真实性是新闻的生命，也是新闻摄影的生命，这是由新闻自身的客观属性所决定的。新闻摄影是所有新闻媒体中最为真实、客观的形式，摄影的科学性，把新闻报道的“失真性”压缩到最低限度，照相机的“机械性”，使新闻摄影更加符合客观真实性原则。因此更具可信性。新闻图片首先要求事件真实。马克思主义认为存在决定意识，新闻的本源是事实，先有事实，才有新闻报道，事实是第一性的，新闻是第二性的。因此，新闻图片报道的新闻事件一定要确有其事，不容伪造、导演。其二要求形象真实。虽然照相机可以客观地记录新闻事物，但也存在着记录的新闻形象能否揭示新闻事件本质的问题。只有拍摄到最生动感人、最具现场感、最能反映新闻事件本质的典型瞬间，才是真实的。再次是文字说明要准确无误，这也是新闻摄影与艺术摄影截然不同的重要的区别所在。新闻摄影要靠图片和文字的完美结合，才能完整地传递新闻信息，文字说明真实、凝练、准确无误是新闻摄影的基本要求。
由于艺术摄影和新闻摄影的任务、目的、功能作用不同，因此它对作品真实性的要求与新闻摄影截然不同。在摄影创作中，它不受客观性和真实性制约，在他的镜头中，张三李四的真实情况已不重要，被摄对象已失去原有的客观意义，这时，他们只是摄影家的艺术材料既创作素材，摄影家可以调动任何手段，包括组织加工、摆布导演。其目的是创造“第二生活”，创造艺术美。在后期制作过程中，艺术摄影可以充分利用各种技法进行第二次制作，以使作品达到主观追求的某种“意境”。许多艺术摄影就是直接利用后期加工而成为艺术品的。
新闻摄影区别于艺术摄影的另一个特征的它的时效性。这时由整个社会发展运动的规律所决定的。从宏观意义上讲，新闻是记录社会发展运动过程中的一瞬，也就是说新闻在一定相对的时间及空间里才有新闻价值。新闻贵在于“新”，只有首先揭示的新发生、新发现、新发展的事物才是新闻，因此“快”是新闻的特点。时过境迁或众所周知的事情就不能算是新闻了。这也是世界各大通讯社在采访报道重大国际新闻事件时千方百计、不遗余力、不惜重金抢发新闻的原因。因此要求摄影记者不仅及时地赶到新闻现场拍摄采访，还要以最快的速度制作、传真，以及时地通过各种形式传播出去。
而艺术摄影则不像新闻摄影那样有极强的时间观念。许多艺术摄影作品都是经过反复推敲、甚至是经过几次拍摄才获得成功的。而且很少像新闻摄影作品那样急于发表。如陈复礼先生总愿意将自己创作
的作品悬挂于室中欣赏，从题材的选择到构思立意、从摄影语言的运用到内涵与意境的表达，都反复进行推敲，许多作品的发表是数月或数年之后。
由于新闻摄影与艺术摄影的属性、任务、目的不同，因此摄影记者与摄影家的拍摄方法与创作心里准备也不同。新闻摄影是通过采访而完成的，摄影记者要深入到政治、经济、文化各个领域中，寻找发现、记录有新闻价值的事件。因此摄影记者首先是记者，除应具备以上方面广博的知识外，还要通晓党的路线、方针、政策。更重要的是新闻工作者要有冷静、客观、敏感的意识即新闻意识。只有增强新闻意识，才能在纷繁复杂、丰富多彩的社会生活中，挖掘、捕捉到既有新闻价值又有形象价值的新闻照片。
作为摄影家是从美学意义上去审视对象。从外部形态(包括光线、色彩、影调、线条、构成)及它所承载的美学意义上的内涵去审视。以上我们从新闻摄影和艺术摄影的属性、功能;摄影记者和摄影家素质的不同要求;拍摄的不同心里准备进行了区分，尽管一些新闻照片显示出很高的艺术性，但二者却有本质区别，了解这一点对新闻摄影和艺术摄影的发展是十分有益的。
篇四：摄影毕业论文2000字
风光摄影
毕业论文
浅谈风光摄影专业毕业论文范文
风光摄影主要是以自然风光和人文景观为创作主题，以此来展现风光美。下面是WTT为大家整理的浅谈风光摄影论文范文，供大家参考。
风光摄影论文范文篇一：《试谈生态摄影与风光摄影》
摘
要：单从作品的形式维度来看，生态摄影与自然风光摄影的差异并不大，拍摄自然风光的作品理应被纳入生态摄影的领域中。但从学理上讲，生态摄影与自然风光摄影当有不同，它要求摄影师具有创作层面的生态审美自觉，要求观看者具有欣赏层面的生态审美自觉，还要求生态审美意识在作品的传播解读阶段进行介入和引导。为助推生态摄影的创作实践，不必给生态摄影限定过高的学术基调，以便融入更广泛的大众群体，塑造更深刻的生态审美自觉。
关键词：生态摄影;风光摄影;审美
一、从“瓶颈”到“另辟蹊径”
15世纪意大利艺术批评家阿尔贝蒂在《论绘画》中指出画家只能再现可见之物，不能被肉眼看到的事物无法被绘画再现。这一点对画家的想象力与创造性来说显然不适用，但对几百年后才现身的摄影而言却是合理的概括。人与自然都是可见的拍摄对象，除肖像摆拍外，人们并不会停留在一处供相机捕捉，许多人像抓拍都有动态特征;自然物比人安分许多，拍摄自然风光的作品大多给人以静止的感觉。但随着环境污染破坏的加剧，自然也不再静止，不再万年不变。当摄影师拿起相机的目的不再只是捕捉自然的美，也是预见到自然之美转瞬即逝并为未来留存记忆的时候，以生态为主题的自然风光摄影就诞生了。
早在本世纪初，就有学者提出生态摄影的名号，并试图对其内涵进行界定，以对自然风光摄影进行分类。然而十年过去了，生态摄影研究尚处于起步状态，其间所发表论文不逾百篇，其中具有代表性的也不过三五。一来因摄影作品内容固定明确难以作多元阐释，二来摄影师在捕捉影像时未必持有特定意图，对作品是否具备生态审美自觉的评判缺失了权威。再者，最令人困扰的是，摄影作为一门艺术，虽具有巨大感染力，却很难发挥实际的社会效用，直接介入生态保护的举措中，这一局限是阻碍生态摄影理论建构的关键。诸多原因导致这一颇具潜在价值的新兴领域变作鸡肋，摄影师与学者都不肯放弃，却又无法界定清楚、阐释透彻。
我们认为，“生态摄影”的提出与“画意摄影”、“自然主义”、“纪实摄影”、“光效应摄影”、“象征主义”和“浪漫主义”等概念不同，并不是为了树立某个独立的流派、掀起风格转变的潮流，或为现有作品划分类别。作为特殊社会历史语境下诞生的独特范畴，“生态摄影”不具有艺术史的野心，而是借助一个关乎大众利益的主题将大众化的摄影推向大众化的接受群体。因此，在界定生态摄影时，将之投靠到传统摄影流派上，去关注作品本身固有的硬性特征，不若从作品的创作与接受等软性维度入手，去思考它在拍摄时、在欣赏时与其它作品有何差异。事实上，生态摄影作品所呈现的画面内容大多可以被既有摄影流派的风格涵盖，由摄影记者所拍摄的曝光生态破坏的作品可以归入新闻摄影与纪实摄影，记录自然环境侵蚀所致奇特地形地貌等地域特征的作品可以归入地理摄影与自然风光摄影，经高科技手段后期处理过的如画风景作品可以归入印象派或象征派的画意摄影。从作品本身的特征来概括生态摄影的概念虽有不易，却不应成为阻碍它蓬勃发展的瓶颈。牵强地界定它的概念对生态摄影的发展而言意义不大，不如暂时放弃界定，多角度全方位地增进理解。那么，如何另辟蹊径增进对生态摄影的理解呢?二、生态摄影的三个生态审美自觉之维
暂且悬搁作品内在固有的特征而转向与作品相关的外围因素，我们从创作、欣赏与传播的角度建构生态摄影的三个生态审美自觉维度，三者协同合作，交错出生态摄影的内涵之网。
首先，生态摄影源自创作意图的生态审美自觉。摄影作为一种爱好，旨在留存记忆并分享快乐，但作为专业创作，摄影师须有明确的创作意图。然而，只将具备生态保护意识的摄影师为了特定目的而捕捉到的环境污染与破坏生态平衡的影像列为生态摄影的分类法未免过于苛刻。毫无疑问，触目惊心、骇人听闻、丑陋至极的作品必然是生态摄影的典范，但生态摄影不仅仅局限于能够产生强烈警醒作用与舆论效应的创作。借助直观的影像直接在社会范围内激发意识觉醒的效果是理想化的，其引发的舆论探讨将是大范围、大规模、深层次的。但生态摄影的主旨不止于曝光、报道、宣传，还在于对大众生态保护意识的普及教化，尤其是通过对美好景观的呈现从审美层面正面唤起生态自觉。因此，以积极向上的自然审美观广泛捕捉景观之美的风光摄影作品也当算是生态摄影。当摄影师面对美好的自然风光，感叹人类的渺小，担忧城镇化与工业发展所造成的破坏，心生美景不再的恐慌时，所拍摄的作品虽毫无生态破坏的痕迹，却饱含了生态人文主义的关怀，是在非人类中心主义的理念引导下所进行的创作。尽管在视觉效果上没有曝光污染的作品那么使人震惊，却有正面的价值和积极的意义，从创作意图来看理应算是生态摄影作品。
其次，生态摄影根植欣赏态度的生态审美自觉。生态摄影作品的审美接受继承了摄影的优势特色：一方面，与其它艺术形式相比，摄影因其与数码科技手段与互联网技术的密切关联，得以更便捷地在更广泛的范围内进行传播，并以更快的速度获知欣赏者对作品的反应。另一方面，在绘画、小说、雕塑、戏剧等艺术形式中，欣赏者通过观看、聆听或阅读作品所感知到的是被再现对象的艺术形象，即以艺术手法摹仿被再现物所塑造的意象，并非被再现物本身。与传统再现艺术相比，照片几乎是原封不动地呈现被拍摄对象的本来面目，具有直观性、直接性和透明性，即透过照片欣赏者所看到的是被拍摄对象本身。因此，优秀的自然风光摄影恰似一扇窗，通向镜头前实存的生态景观，它开启的不仅仅是视觉享受，更是全身心多感官审美所激发的愉悦感。欣赏者透过四方框，遵从景深的空间感，望向景观本身，或阴或晴、或雨或风、或雪雾障眼、或花香微醺，被调动的不只是视觉，也涵盖了亲身处在自然环境中的一切感官感受。这就是生态审美的自觉，当欣赏者面对自然风光摄影作品，哪怕摄影师的创作意图无关生态，只要欣赏者具备生态审美意识，不只是喜爱自然，更是珍惜自然，心生关切保护之念，其所欣赏的作品就可以算作是生态摄影。
再次，生态摄影依赖艺术传播的生态审美自觉。摄影师按下快门的瞬间未必出于生态保护的自觉，欣赏者在被作品吸引的原因也未必与拯救环境的关切相连，单从创作与欣赏的角度无法充分理解生态摄影，而须注重作品鉴赏与批评解读在传播过程中的引导作用。但与其它艺术作品的阐释不同，生态摄影作品不仅要求艺术批评家从审美的角度，还要求生态学家、生物学家、地质学家、环境保护论者从科学的角度进行解读。可以说，与生态文学相似，生态摄影的主题与诞生基于整个人与自然和谐共生的大语境，是许多学科的知识、精神、原则、方法在一种艺术形式上凝聚与交融的产物，也必然要求其所关涉的各个学科领域进行协同欣赏。一般再现艺术是淡功利性的，不以认知为目的。对生态摄影作品的欣赏也可以是淡功利性的，仅从被拍摄自然风光的画面形式与创作技巧入手进行审美。然而，对生态摄影作品采取一般的形式层面欣赏并非正确的解读方式，仍需专家以标题标签、文字旁注及评论文章的形式引导欣赏者看到作品中的生态之维，对其中包含的生态危机或生态知识进行认知，以理解其真正的创作目的，实现其真正的社会效用。而这必然也是生态摄影作品审美价值的重要组成部分，如果仅谈无功利性的审美欣赏，生态摄影的独立身份与重要价值将不复存在。
三、结语
被自然风光环绕时，人们心中都会有感动与悸动，凡手中持有相机，必会贪婪地拍摄，定格美好的景致，用来回味和分享，让记忆看得见，让依恋摸得着。生态摄影属于这个特殊的世代，属于大众群体，也是艺术在当前社会历史规定性下诞生的特有产物。从实用价值上看，以艺术的手段对抗生态危机是徒劳的，但摄影对人心的感染力所构建的生态审美自觉，却是其它科技手段无法达成的。我们不必给生态摄影限定过高的学术基调，不如给它自由，放它融入大众，让生态保护、珍惜自然的意识化作拍摄自然风光的冲动。
参考文献：
[1]林路、沈孝辉、张砥生、孙曾田、庄孔韶、李皓、贺延光《多视角谈生态摄影》笔谈，载《人与生物圈》，2021年的那种随意性。它反映出摄影者对眼前景物观察、分析和引申的能力。摄影者的创造力在于对事物特性的琢磨，是意念、技术和现实环境产生有机的结合。这种具有深化效果的合成功夫，往往是摄影者受到眼前景物的启发而产生一种突发性的，甚至是潜意识的反应。但是这也不排除摄影者对事物人生深思熟虑的经历和创作过程中有意识的追求。利用剪裁、遮挡或集锦的暗房(以至目前电脑)技巧，虽能对大自然作主观性的改变，或对突现的实际情况作后期的弥补，但我认为这样的做法不能改变摄影独立性的建立。而如果这些手段的目的只是让一些摄影技巧取代了画笔，目的在于表达创意者既有的思维而已，那就没有发挥摄影瞬间性的特征，也远离了所谓“[1]刘波，邢龙：《论摄影的大众化发展与高校素质教育的结合》，载《科教文汇(上旬刊)》2021年第07期。
[2]李元：《风光摄影和中国文化》，载《中国国际艺术摄影》中国摄影出版社2021版。
[3]吴强：《从中西方风光摄影比较，看中国风光摄影的未来走势》，载《感悟摄影》2021版。
[4]李晓杨：《浅析风光摄影美学价值》，载《科教文汇(下旬刊)》2021年01期。
篇五：摄影毕业论文2000字
本科生作业论文
题
目：
摄影带给我们什么
系
别：
工商管理系和
会计学系
专
业：
工商管理
和会计
学生姓名：
陈恋，洪夏娜，施万仰
学
号：091032045；091032181；091031232指导教师：
陈喆
（职
称）
二〇一〇
年
五
月
目
录
1、引言--------------------------------------------------------------------------12、摄影的历史背景及作用----------------------------------------------------
3、儿时摄影的懵懂------------------------------------------------------------
4、解剖摄影课-学了什么？--------------------------------------------------
5、感悟摄影-尝试发现生活中的美----------------------------------------
引言：本论文着重于摄影能带给我们什么，摄影在在生活中充当着什么角色等问题展开探讨，并结合了理论依据及亲身体会对摄影技巧方面以及摄影的作用进行剖析，得出结论摄影让我们的生活变得多姿多彩，让我们的生活七彩斑斓，让我们活得更自在，更精彩。
摄影
拾起那遗失的美好
虽然从学会使用相机开始就对摄影都很感兴趣，却一直一来都没把过多的注意力放在这上面。自从上了摄影选修课，使我对摄影有了更深一层的认识，以前只是喜欢看人家的，现在突然想研究自己的了。有了这个想法，我对学习摄影技术马上就提起了兴趣。
摄影是一门很神奇的艺术，它能把动态变为静止，能把瞬间变为永恒。能把光与影与回忆都定格在一张小小的照片，能让我们在每一个现在都能寻找到过去所走过的足迹。
1839年8月19日法国画家达盖尔公布了他发明的“达盖尔银版摄影术”，于是世界上诞生了第一台可携式木箱照相机。一个不透光的盒子，这就是照相机。照相机是用感光胶片反景物拍摄下来的摄影器材。它的发明经历了漫长的岁月。但照相机的发明是人类对光影科技掌握程度的一个划时代革命，照相机让人们把过去用一种更加亲切和生动的方式保存下来，让历史更加形象，真正做到了令瞬间成为永恒。
摄影是用心在记录和书写着历史和美妙的瞬间
摄影，给我们带来了什么？摄影，在希腊语中是用光线绘画的意思。也形象表达了摄影的概念。从摄影技术被发明那一刻开始，这光与影的舞曲就无时无刻地在改变着我们的生活。有了摄影，回忆变得更加真实。有了摄影，让鸟飞过后，也可以留下在天际中滑过的足迹。空白地泛泛其谈可能没有说服力。可每当我们把照相机拿在手上，真正地试着用心地去拍摄那些一直呆在我们身边却因为早已习以为常而令我们常常把其忘却的事物的时候。当聚焦使得原本模糊的它变得清晰，而原本清晰的世界变得模糊的时候。当把这每一些每一些生活的点滴深深地印在小小的照片上时。
而摄影也有很多的分类。如记录摄影，艺术摄影，画意摄影。
摄影被发明的初衷就是为了起到记录作用。而在记录功能方面摄影技术也的确是其他技术或艺术所无法比拟或取代的。可以说，记录功能是摄影最基本也是最出色的功能体现。而艺术摄影，他与记录摄影的区别在于艺术观赏性的多少与高低，而无绝对的界限。而画意摄影更侧重于通过以摄影的唯美的画面语言以及所代表的美好内涵来表达出作者的想法
最开始，我以为拍照就是单纯地把所有看到美的景物都记录下来，可事实其实恰恰相反，拍出来的照片元素太多，主体不分。照相谁都能如实记录，但后来才明白到，摄影的本身是把自己的思想感受反映到画面中，所以在按下快门的瞬间，应该先问自己是什么吸引了你，令你想拍这张照片。我要认识到绘画手法与摄影语言的区别，画画是用加法，而摄影是减法。构图是精简提炼一些吸引眼球及引起心灵共鸣最能表达情感的东西。
·儿时——摄影的懵懂
记得在我小的时候曾经对什么都觉得很新鲜很好奇，清晨绽放的花朵，地上勤劳的蚂蚁，天上的变幻莫测的云彩，夜空中闪烁的星星……可随着一天天长大，却发觉自己对身边的一切都渐渐的麻木了，不会再去等待清晨花朵的开放，也不会再蹲在地上观察蚂蚁们搬家。直到学习摄影才明白，原来我们都因为看得太多，所以视而不见了。摄影让我们重新去观察这个世界，因为摄影，他对花朵和蚂蚁又重新有了兴趣，也会早早起床，攀上山头，为了等那一缕晨光，甚至每天上班所见的一座古桥，偶尔出现的晚霞，一间斑驳破败的老房子，都觉得是美之所在，乐于为它们举起手中的相机。我想这正说出了所有疯狂热爱摄影的朋友们的心声吧！不经意中，我们可能忽视了很多美好的细节，只有当摄影师把他们拍下来时，才会突然觉得好感动！原来美，不一定都在远方的名山大川，异域风情，它也存在于我们每个人的身边，就像我们都知道的一句名言：生活中并不缺少美，而是缺少发现。只要我们有一颗能感受美的心，拿起手中的相机就一定能把它扑捉到。解剖摄影课——学了什么
在摄影课上。让我学到了很多摄影方面的知识。比如，镜头的焦距是与视角成反比的，而焦距与景深成反比。景深就是指被摄景物中能产生较为清晰影像的距离。变化幅度短至6mm，长至2000mm。焦距长，视角小，这能远距离地去摄取较大的景像比率。而焦距短，视角大则意味着能近距离地摄取较广的景物。镜头的种类也分很多种。比如有标准，广角，超广角，长焦距镜头，远摄。超远摄与反射式镜头。广角镜头摄影景物时可以“全盘接收”，广角镜头的视角大于标准镜头，焦距小于标准镜头。远摄能够摆出景物的细微部分。变焦镜头能够迅速方便地选取画面。
在拍摄方面。摄影镜头离被摄物的距离越近。镜头畸变就越严重。一般来说，广焦距镜头比长焦距镜头更容易变形。
另外，在拍摄的时候，我们也要注意很多细节。比如曝光方面，当拍摄时背景亮度高，主体亮度低的时候，需作增加曝光。当背景亮度低，主体亮度高的时候，需作减少曝光。而当我们进行逆光拍摄时，则需要补光，就是要增加曝光阴天拍摄的时候，天空是白色，因此应该尽量少白到天空。拍摄取景的时候，在构图复杂的环境，应该选择角度，使得画面尽量简洁。拍摄景物中的人物，应使两者自然融合，避免出现人物档景的情况，使构图欠佳。而在一些景物拍摄的时候，画面上大面积的阴影，有时会产生意想不到的魅力。
当拍摄前景很杂乱而又难于避免的景物时，利用明影区域是极有成效的。有时为了拍摄一幢刚完工的大楼，但是突然发现前景区域堆满了来不及去除的建筑机械、旧脚手架和其他杂物，这个时候便可选择建筑物被强烈的阳光所照射，而前景却处于暗色阴影中的那一时刻来拍摄。这种明影有助于隐没所有会分散注意力的细节。曝光时要记住从强光区域取一个准确的曝光读数，这样，阴影里的细节就会因曝光不足而无法显示出来。无论是清晨或傍晚，由天空中相当低的直射阳光产生的造型，对建筑摄影都很有利。这种光线产生的阴影，不但能显出建筑物的形状，还能表现建筑物的纹理。因此，当天空明暗没有阴影狞在时，建筑摄影家通常不会去拍照，因为在没有强烈的明暗对比之下，所拍出的照片肯定是平淡而乏味的。
但是，摄影最重要的，始终是观察。
我时常把镜头当作眼睛，也时常把眼睛当作镜头，去发现和捕捉我所生活的这个世界上的一幕幕稍纵即逝的精彩瞬间。我从不奢望自己记录的这些瞬间会变成永恒。我只想用文字和图片表达出我的思想，把我学到的技术，点点滴滴地再现出人们的生存状态和生存环境。留住美丽，留住精彩。它们所表现的方方面面，只有懂它的人，才可以意会，才可以言传。感悟摄影，尝试去发现生活中的美
我不是作家，也不是画家，但是只要通过摄影。生活中的美，无所不在，只要你有个善观、善感的心，你就可以敏锐的用自己的灵魂去感悟生命的色彩，去创造美、去发现美、去捕捉美、去写意自己生活的色彩，描绘自己生命的油画，涂抹艳丽的七彩。我一直用光影作画，用文字表达自己的意愿。认为这样可以充实自己的灵魂，让自己的人生丰满，完美起来。
摄影艺术的特性与魅力就在于瞬间——稍纵即逝、变化莫测、难以重复和再现的瞬间。从这个意义上来说，摄影既是光影的艺术，又是瞬间的艺术。正因为如此，摄影带给我们许多无法言说无法表达的快乐。这种快乐，是人生其他乐趣所不能替代的。
光影世界里色彩绚丽，变幻多端。用心感悟，用心交汇，用自己的心灵作画，用自己的灵魂低呤浅唱。我轻舞飞扬；我风花雪月；我激情浪漫；我要让自己的生命灵动起来，我要让我的生命辉煌起来。用光影描绘，用七彩的阳光抒写自己灿烂的一生。
篇六：摄影毕业论文2000字
摄影艺术发展传承简析毕业论文
摄影艺术发展传承简析毕业论文
第1篇：美术与摄影的融合传承简析
摄影是属于我们时代的文化产物，但它也与久远的艺术传统有很深刻的关系，对于美术与摄影的关系不仅是模仿与致敬，从美术角度来说美术史摄影的灵感源泉，而摄影可以用真实的人物再现美术情景。在摄影术出现之初，曾有画家感叹道：绘画从此死了。对于画家而言，摄影有可以精确的再现物体的形象能力，能够客观的记录真实的物体，这一点还是很有吸引力的，许多画家开始采用绘画照片的方式来完成绘画，画家安格尔在参与上书禁止摄影的同时也在悄悄使用照片当成绘画的素材。而摄影师们起初在进行摄影作品拍摄中也同时对绘画作品进行有意识的模仿与再现，直至今日，重现绘画作品仍被很多摄影家所追求。
1.画家与照片
欧仁·德拉克洛瓦，法国画家，其曾经赞叹道摄影术在描绘事物方面的神奇能力，他表示摄影术的出现对他来说相对较晚，因此没能够享受摄影的带给他的乐趣，德拉克洛瓦是法国第一个全国性摄影协会的创始人，1857年，他曾以一幅作者不明的人体照片为蓝本，创作了《奥达利斯克（宫女）》的油画，还与一个叫尤金·杜里奥的摄影师共同合作，由他执导模特摆姿势，杜聊负责具体拍摄，经过这种合作模式，他们拍摄了很有价值的摄影作品。
古斯塔夫·库尔贝，法国现实主义画家，其在作画时经常参考照片，并且在本应体现画家追求完美形态和才情的人体绘画方面，其运用布尔乔亚女性为模特拍成照片作为创作素材，在1853年画出了被德拉克洛瓦讥为无意义的《浴女们》，他的巨作《画家的画室》中，站在他背后的模特也是根据摄影师朱丽安·瓦娄·德·维伦努的"人体研究"照片画出来的。
拉斐尔前派兄弟会，诞生于1848年的拉斐尔前派，创立者是三位年轻的画家--丹帝·加布里埃尔·罗塞蒂、威廉·霍尔曼·亨特和约翰·埃弗
雷特·米莱，其目的是对抗日益增长的物质主义倾向，以象征主义的手法来提倡一种中世纪的美与单纯，他们发扬了中世纪油画对细节的处理和明快的颜色，并且一部分拉斐尔前派画家善于将摄影运用到自己的绘画当中。丹特·加布里埃尔·罗塞蒂，拉斐尔前派创始画家，他就对摄影相当关注，他曾经被《丽丝漫游仙境》的作者、业余摄影家刘易斯·卡罗尔拍摄于镜头当中。罗塞蒂还邀请约翰·罗伯特（摄影家）帮画家莫里斯的夫人简拍摄照片，并根据其中一幅绘制了《白日梦》一画。他对摄影的态度是大胆参考，但是不会把绘画画成照片那样，所以很少能在他的绘画中感受到照片的存在感。
虽然摄影术的发明让一些画家感到了威胁，有一部分画家真的放弃绘画转向摄影，但是也有一部分画家能以应积极的态度来面对摄影这个新生的事物，并能尽可能的去学会运用，使之为自己的绘画服务。
法国印象派画家爱德华·德加他就是一位摄影爱好者，对于摄影的喜爱，他甚至与从照片的冲放技术学起，并且经常邀请自己的朋友来家里面拍照，拍一些作为绘画系做素材的照片。
法国"纳比派"画家皮埃尔·波纳尔也非常热衷于摄影，他的摄影作品来自及他的家人及孩子，并且经久不变，透露着一种画家对亲人的亲切关怀与深厚热爱。
对于另外一个美国画家，托马斯·埃肯斯他作为摄影师来讲其兴趣表现在两个方面：用摄影探究人的运动规律和拍摄肖像照片，其运用摄影匠人的运动规律拍摄出来，并成功地展示在人的运动全过程，其还擅长拍摄肖像照片，并能准确捕捉人物的性格特点，以至于有人害怕被鬼使自己的内心而拒绝进入影棚被他拍摄。
2.摄影师与绘画
19世纪50年代，摄影师开始依靠绘画的规则--其首要因素就是要有一个凝视着某个建筑物或置身其间的标识性人物，除了给指示物以比例参照物以外，这些人还表明了所为的拍摄对象，比如修道院或树林的山谷主要适合于冥想而不是详细的观察，人们坐在远处或阅读或眺望，表达了一种敬畏和幻想，他们的面孔一旦转过来面向相机，变传达出一种与周遭环境更贴切更实际的关系（这一模式建立于1856年
的英国，见于飞利浦·H·德拉莫特和约瑟夫·昆道的《约克郡修道院的摄影旅行》一书）--开始对建筑，模特进行拍照。
伦勃朗这个名字是希尔和亚当森的崇拜者最常提到的，这是有理由的，他们的肖像照有着强烈的色调对比，又有几分精神含在其中，看起来的确很像伦勃朗的肖像画，而且他们的拍摄对象，教师、医生、工程师、学者和艺术家都很杰出，很多人都非常有名。这些19世纪40年代的著名人士似乎非常符合艺术指导希尔为他们构想的英雄角色，而希尔也从摄影这一媒介本身的特点中得到了很大的帮助，它融解了物质的细节并且戏剧性的表现了黑暗中光的效果。
拉斐爾的作品《西斯廷圣母》收到了雷兰德和卡梅伦的再创作，雷兰德的《不是盎格鲁尔是天使》这一作品中，他重新布置了画面中小天使的造型和影调，布光方式，而小天使的造型就来源于拉斐尔的《西斯廷圣母》。这幅照片捕捉到的是自然美感仍然为当代评论界所夸赞，通过摄影师的再现，观众们一下就可以辨识出哪两个被画家所冷落的小天使。而卡梅伦的《待》则显得稍微轻松一些，新潮的姿势配以眼神，使作品更符合现代人的眼光。
普拉宁对古典艺术的研究方式是以摄影为基础的，她的照片拍摄了原作丰富的笔触，颜料和保护器的光泽，还表现出底层画板或画布的起伏。其作品《戈雅的威灵顿公爵》中画面中的人物形象透过光依然明晰，作品带给我们一种久违的画面感，这是一种古典油画的物质感的再现。这幅作品源自于弗朗西斯科·德·戈雅的著名的威灵顿公爵肖像画，而这幅肖像画也与戴维·刘易斯创作的《海科特·史丹利·维森先生》有关。
对于摄影师与绘画与照片来讲，还有很多成功的例子。玛格丽特的《梅·普林赛普习作》与乔治·弗莱德里奇·瓦茨的《梅·普林赛普》，玛格丽特的《凯特·齐恩》与古斯塔夫·多雷的《英格兰乞讨女孩》，等等。
第2篇：数字时代的摄影艺术
在科技水平不高的情况下，摄影仅仅是少数人的工作和爱好，而随着科学技术水平的不断提高，摄影艺术逐渐成为一种普遍的活动，在相机功能不断增多，摄影工具不断增加、摄影技术不断提高的情况下，创作出优质的摄影作品更加简单的便捷。
一、摄影艺术的创意手法更加便捷
作为计算机和信息技术发展的产物，数码摄影将艺术与数字技术完美的融合在了一起。在后期制作中，传统的暗房制作逐渐被电脑图像处理系统所取代，摄影的输出方式发生了很大的改变，摄影艺术的表现语言也不断丰富，摄影艺术的创作手法逐渐增多。传统的摄影艺术主要是通过写实、记录的方式进行展示，缺乏创意性的表现方式，虽然可以通过实物摄影、中途曝光、局部烧黑与遮挡、多次曝光和蒙太奇影像集锦等暗房特技完成作者的创意，但是，由于传统摄影技术和暗房条件的限制，制作程序复杂，作品的效果较差【1】。而数码摄影摆脱了传统摄影暗房的束缚，可以利用电脑进行创意性的后期制作。利用数码摄影将拍摄的影像输入到电脑上，借助电脑的图形处理软件，通过合成、拼贴、借用等技巧加工拍摄的原始图像，可以让原始图像具有创意，甚至可以使原始图像变为另一种影像。而且，传统的使用银盐制作摄影图像比较复杂、繁琐，而利用数字技术制作可以节省很多的时间和精力。比如，将一副图像正片反冲，传统银盐需要进行拷贝，然后反转冲洗，而在数字技术中，利用电脑中的Photoshop软件，通过Invert（取反）命令制作图像，可以瞬间完成。另外，数码摄影技术可以制作出多种多样的色彩层次，进行纵横交叉的结构调整，提高摄影后期制作的效率，节省制作的时间，从而让摄影艺术更加便捷。
二、满足摄影艺术的瞬间抓拍需求
抓拍是摄影艺术创作中的一种重要手段，在体育、新闻、舞台和写实摄影中广泛受到推崇，但是，在摄影发展初期，很难快速抓拍，因为当时的相机比较笨重，底片的曝光时间较长，随着小型相机的出现和感光材料感光程度的提高，快速抓拍逐渐成为可能，而抓拍手法也得到广泛的应用。先进的摄影器材设备是实现抓拍目的的前提保障，世界著名的抓拍大师罗伯特·卡帕和亨利·卡蒂埃·布列松都是使用先进的135胶片相机。虽然在传统的摄影发展后期，摄影器材的功能逐渐增多，但是，感光材料的感光度依然无法满足摄影师抓拍的需求，在弱
光环境下，很难以达到抓拍的效果。而数码摄影的出现有效解决了弱光环境中抓拍的难题，因为数码摄影可以在不同场合、弱光环境下拍摄出优质的图像。由于胶卷感光度或者片种的制约，在传统拍摄过程中，摄影师不能随意更换胶卷，往往需要携带几个机身来装不同感光度和种类的胶卷，这给摄影师的财力和体力带来了极大的挑战，而且，在不能使用闪光灯的拍摄场合，即使使用高感光度的胶卷，也很难拍出好的照片，但是，数码相机可以根据摄影师的需要，随时改变感光度。目前，一般普及型的数码相机的感光度已经达到了15050一1506400，的相机甚至已经达到150102400，这样广阔的调整范围，可以满足不同场合和弱光环境的拍摄需求。通过设置感光度和调整色温，可以提高数码相机的快门速度，保证抓拍的质量，拓宽了摄影师的创意空间。目前，小型的卡片数码相机已经达到了1000万以上的像素，一些手机的拍摄像素也达到了800万以上，感光度也达到150800以上，可以满足不同环境的拍摄需求。例如，在列车上利用体积小的相机，进行抓拍，创作人物作品，不仅不易被人发觉，而且可以让拍摄的人物更加生动、自然。在高科技的引领下，摄影逐渐成为一种平民的艺术，并且逐渐成为普通人民的一部分。随着拍摄难度的降低，很多人可以拿着數码相机去记录自己所喜欢的东西，一些老摄影师们也逐渐使用数码相机进行摄影艺术创作。
三、与网络媒体有效融合
目前，影像已经成为人们获取信息的一种重要途径，因此，摄影艺术也需要顺应时代潮流，朝向数字化发展。互联网技术具有开放性、交互性和瞬时性的特点，将摄影艺术与互联网技术有效融合起来，让人们通过互联网技术阅读影像、传播影像、消费影像，可以实现两者的共同发展。摄影艺术也互联网技术的结合，可以促进摄影艺术的发展，加大影像的传播力度，提高视觉文化的深度，使摄影艺术永葆生机和活力【3】。传统的摄影艺术作品主要通过报刊、杂志等途径进行传播，而在信息化时代，利用QQ网络日志、个人微博等网络技术传播摄影艺术作品，可以扩大传播的范围，节省传播的时间。而且，在网络技术的支持下，不同艺术风格，不同艺术思想的摄影作品可以呈
现在人们的面前，为人们提供丰富多样的视觉文化。
四、拓宽摄影艺术的发展空间
高速发展的科学技术打破的摄影艺术的界限，不同背景、不同年龄的人都可以利用拍摄工具，拍摄自己所喜爱的事物。但是，摄影技术不能代表摄影艺术，在取材、构图、剪裁和主题等方面摄影作品的质量也存在着很大的差异，所以，在信息化时代，摄影师需要通过色彩、影调和线条等艺术语言，来塑造人物、展现景象，抒发感情，以创造出优质的摄影作品。
第3篇：浅谈高校杂志新闻摄影
随着科技的不断发展壮大，人人都能充当新闻摄影。但作为一张具有新闻价值的照片必然存在某些重要要素，下面以广东外语外贸大学南国商学院语言文化学院院刊Blossom进一步分析高校校园杂志中的新闻摄影要素。
一、拍摄的主体
高校校园新闻摄影的主体是校内形形色色的事物，但不同的杂志也会有着不一样的定位，由我们学校英文学院文化传媒社自主创办Blossom是一本以传播学院动态，展现学院风采为宗旨的杂志，所以院刊里所有的新闻摄影都与英语语言文化学院内部动态相关。
英文学院的院刊blossom的主要读者是英文学院的老师及学生们，院刊的功能划分是在于英文学院这么一个主体，所以拍摄的主体自然也是那些与英文学院相关联的人或物。在我们这本院刊的封面内页及封底内页的“英院精彩镜头”版块，可以看到在过去一段时间内我们学院里发生的一些新闻摄影。如下图所示，左边的照片摄于运动会期间，展示的是英文学院的运动健儿在赛场上奋力拼搏，右图的照片重现了当时英文学院举办的外国语歌唱大赛的表演瞬间。英文学院所参与的以及举办的各类活动，都收录于我们院刊的新闻摄影镜头下。
二、照片的文字说明
新闻摄影与文字是密不可分的，即照片的标题与文字说明。文字说明对于新闻摄影来说很重要，你要让读者直截了当的知道这张照片是讲述了一件事情，照片是用来吸引读者并用以结合来让读者更容易
理解。图片只能部分地而不能全部地告诉读者新闻对象是谁，在干什么，这时候就需要文字说明来辅助完成摄影记者的表达意图。这么说来，文字说明对于摄影记者也作出了要求，摄影记者不仅要完成摄影工作，还要写好文字说明。
如下图，如果没有文字说明，我们看图片得到的消息就是有两群穿着不一样衣服的人在干些什么，可能是在玩，又或者是在发表一些讲话，这些都是不确切的。而现在就需要文字说明的辅助了，该标题为“与管院联谊欢乐时光”，如此往来，我们读者就能清楚了解到这张摄影照片讲的是我们学院与管理学院在进行联谊活动，简洁明了表达了照片的主题。
但其实相对于社会上的新闻杂志，高校校园新闻杂志的新闻摄影对于文字说明这一块还是比较欠缺的。毕竟大多数学校都不是专业的新闻类学校，学生对新闻摄影文字说明的体裁选择及如何述写都不太了解。一些组织里的新闻摄影记者基本上都是通过上一届传授经验来的，没有接受过专业的学习，所以加强这方面的训练也变得尤为重要。
三、摄影硬件配备
新闻摄影当然缺少不了摄影器材，我们一般观众只看到照片的成品，很少会有人知道这张照片是用什么样的摄影器材拍的。相对于商业性的报社全副装备，我们这类型的高校杂志创办组织所配备的器材虽不齐全，但也配备有单反相机，基本上能满足校园里大大小小的新闻摄影。当然，如今有些手机相机都可以媲美单反相机的，所以我们也有运用自己的手机相机进行新闻摄影。
在使用这些器材前，我们都会有专门的培训给新入门的摄影记者，授予一些单反相机及手机相机的基础知识。单反相机很专业，那么手机相机又怎么专业呢？大部分的手机都具有构图辅助线功能，打开手机的构图线，就会形成一个标准的九宫格，使用构图线拍摄照片，可以更容易将主体放置在黄金分割点的位置。iPhone系列手机需要在手机设置中找到“照片与相机”，然后打开网格，即构图线；而一些安卓系统手机可以在拍摄界面的设置中打开构图线。在光线不足又不想使用闪光灯时，我们也可以调节手机相机的ISO感光度，同样的在拍
摄界面的设置中可以选择。
手机相机不仅方便，而且还不用负担起昂贵的摄影器材费用，这对于大学生来说是比较简便的。同时，在遇到突发的事件中，手头上又没有相机的时候，手机是一个很好的摄影设备，能够及时的把新闻拍摄下来。但我们也要把手机相机应用得当，在平时生活中要有意识地了解自己的手机拍摄功能，熟练掌握拍摄功能才能让摄影记者在短促的时间内发挥出手机摄影的功能。
四、摄影记者的心理素质及道德素养
作为一名新闻摄影记者，需要，果敢及责任感。现场对于记者而言是最重要的，文字记者可以获得第一手的材料，摄影记者更需要和新闻现场接触，只有在新闻现场才能拍到照片。
校园的新闻摄影记者都是学生，大多数人是第一次担任摄影记者，还带有着一种青涩，不敢于去拍摄。因为是高校校园杂志，大多数校园里的新闻都是讲座，或者一些晚会类型的。这就需要摄影记者的勇气及果断，敢于在人前拍摄，并且不影响活动的正常进行。在短时间内完成拍摄任务，并准确传达照片的内容。虽然校园新闻没有像我们平时在电视新闻或者报纸新闻上看到的那么多危险性新闻，但我们也是一样要靠近新闻现场。著名的新闻摄影记者罗伯特.卡帕因拍摄西班牙内战而成名，他说过一句话，“如果你的作品不够好，那是因为你离炮火不够近。”在校园新闻摄影里也一样，在你进行一项讲座拍摄时，如果你不敢于站在听众前拍照，你的照片也就不能达到你所预期那样的足够好。
虽然有很多新闻素材都能提前得知，但也有一部分是未知的，这就需要摄影记者能克服自身的不可抗因素，迅速到达新闻现场。因为我们是新闻摄影记者，我们要与时间赛跑，因为有些瞬间就这么一瞬即逝，你赶不到现场，就没有办法拍到你错过的画面了，你无法编造这样的画面，新闻就是要真实。
关于高校校园杂志的新闻摄影，它的定位有其独特性，拍摄者由学生组成，这就对这批新生新闻摄影者有着更高的要求了。作为一名新闻摄影记者，要有的对照片的解说，对器材的基础认识，对自我素
质的培养的能力。通过分析Blossom了解到高校校园杂志在新闻摄影方面有着其独特之处，但仍需不断完善提升自我。同时能夠有所创新，在学习与新闻摄影工作之间，活出一名大学生新闻摄影记者的风采，共同为高校校园杂志的更好发展贡献一份力量。
第4篇：浅析新闻摄影与伦理发生冲突的原因
新闻摄影是指以新闻图片的形式对新近发生或正在发生的事实的报道，是新闻记者以照片的形式记录下新闻现场、向受众传递信息的一种新闻形式，其宗旨是突出现场，传递核心事实、向社会施加影响。新闻伦理是新闻事业整体、新闻媒介实体和新闻工作者在新闻传播活动中的价值取向、道德表现与日常行为品德规范的总和。具体地说，新闻摄影的伦理考虑包括摄影记者在新闻现场拍与不拍；用什么方法拍；拍得的照片是否是新闻事件最真实的表述；照片以什么样的形式发表；当照片以某种形式发表后会对读者和被摄者产生什么样的影响；在满足公众知的权利的同时，照顾到被摄者的隐私权利等问题。当然，新闻与伦理的冲突不仅仅只是新闻摄影，还有新闻稿件、记者采访等方面，而在本文中仅就新闻摄影与伦理发生冲突的原因进行分析。
一、媒介环境的影响
第一，媒介竞争的影响。这几年，借助移动互联网，媒体发展如火如荼，尤其是新媒体，更是发展地很迅猛。但是在这繁荣的背后，却是内容同质化严重、创新不足、内容缺乏深度、阅读碎片化等问题。
在当下这个态度比事实更重要，速度比真相更重要的时代里，有太多的人不怕自己的观点是错的，不怕对他人造成伤害，却生怕自己的手慢，错过一篇难得的十万加。在如此激烈的竞争之中，媒体们更多地是关注自己的受关注度，新闻摄影也是如此。一张能够引起轰动的照片，能够顶的上一篇十万加的好稿件。因此，相机镜头出现在了社会各个角落，每个人都赤裸地站在闪光灯下，等待着人们的点评。
第二，利益至上主义妨害新闻专业主义。市场经济的发展让人们开始用金钱来衡量事物的价值，新闻理想在利益面前似乎越来越难以发挥其作用。很多记者开始忘记自己踏入这一行业的初心，一切都没有一张有轰动效果的照片来得重要。新闻媒体在追逐经济效益的同时，也应该注重社会效益，通过新闻摄影引起全社会对弱势群体的关注，向社会传递积極向上的正能量，解决社会中依然存在的一些矛盾和问题，推动和谐社会的建设。
第三，媒体缺乏法规约束导致职业道德偏低。我国目前新闻媒体行业规范还不健全，职业道德体系建设不尽完善，媒体内部对于新闻从业人员的制约监督体系尚显薄弱。因此，当新闻摄影与伦理出现冲突之时，如何处理并没有明确的方法与标准。这就使得新闻摄影出现混乱的状况，不少媒体明知一些照片会对当事人造成其不该承受的伤害，侵害个人隐私权，依然我行我素。
二、记者摄影主体的自身原因
第一、新媒体时代，“有图有真相”成为一种广泛的共识，各个媒体对新闻图片的需求日益增大。为了获得独家“照片”，挖掘独家新闻，镜头就会逐渐进入当事人的私人生活领域，在未经当事人同意的前提下将当事人的生活曝光，侵犯其隐私权，损害人格尊严。
第二、新闻摄影主体不够专业。随着技术的不断发展，相机价格不断下降，新闻摄影的门槛不断降低，如今已经真正进入“全民摄影”的时代。但是新闻摄影的主体更加多元，同样也带来一个问题就是摄影主体的专业素质参差不齐，是否能够引起轰动成为其考量一张新闻照片的关键因素，而照片是否会对当事人造成伤害其可能并未考虑到或者放在了第二位。记者有责任竭尽所能挖掘新闻事件的来龙去脉和本质真相，从而满足公众的知情权。但是也需要树牢底线意识，不传播血腥、灾难、痛苦的非人道画面。媒体无法预知灾难的来临，但是有责任和能力避免新闻报道造成的二次伤害的`发生。
第三、人文关怀的缺失。人文关怀是指对人类尊严的尊重，关注人、尊重人，主张以人为本。在新闻摄影之中，人文关怀指的是摄影图片应该注重对人本身的尊重。比如，在大灾大难面前，受伤的需要慰藉，在进行新闻报道之时，就需要特别要注重方式方法，如何更人性化、更谨慎、更理性去把握拍摄的分寸。少一些不人道的二次伤害，多一些人性化的温暖关怀。“在灾难面前，我们需要的不是灾难本身，而是‘客观的镜头，主观的眼睛’，将一种悲天悯人的情怀渗透到摄
影作品中去，才能引起人们去思考、去同情，或从心中感到爱的力量。”
三、法律规章制度不够健全
新媒体的勃兴使得媒介生态发生重大变化，很多新闻法规已经逐渐无法适应媒体的发展步伐，这也就使得新闻摄影与新闻伦理之间的冲突日益激烈。因此，新媒体环境下的媒介法治和新闻伦理亟待调整改革。
法律是社会普遍认可的对权利义务进行规定、以国家强制力为保证的行为规范的综合。新闻法规制度不健全，就无法对当事人的权利进行全方位的保护。照片具有形象化传递新闻现场的能力，而且不仅仅只是表象的描绘，还能深度地传递情感。但是如果现场充满血腥，或者侵犯当事人的尊严，那么这种情感就会吞噬受众，使其麻木。一旦有损伦理的新闻照片铺天盖地地出现在媒体之上，就可能严重影响社会风气，败坏社会道德。
新闻摄影作为新闻报道的一种重要形式，在新闻领域具有举足轻重的地位。但是随着时代的发展，新闻摄影与伦理道德之间的冲突似乎越来越激烈，其实不然，新闻摄影与新闻伦理两者之间是存在“统一”的。无论是灾难、的报道，还是关于个人领域的报道，都可在法律和道德的框架之内，通过一定的技术手段得到很好的解决。在媒体发展过程中，必须固守客观公正的原则，尊重生命，敬畏生命，慎重处理涉及暴力、血腥、灾难、战争、个人隐私等问题的照片，积极营造和谐向上的社会风气，在推动社会发展、人类进步上发挥应有的作用。
第5篇：论近代中国摄影从技术到艺术的转变
徐希景的《陈万里与中国摄影史的四个第一》，陈述了陈万里的摄影生平，确定陈万里在中国摄影艺术史上的地位和贡献，对陈万里的摄影研究有一个概括性的总结以及提供了一个明确的方向。
《大风集》是陈万里的第一本个人的美术摄影专集，也是中国历史上第一本美术摄影专集。《光社年鉴》是我国第一个摄影团体光社的作品集，其中陈万里的序言都是十分珍贵的文献。龙熹祖的《中国
近代摄影艺术美学文选》将20世纪二十至四十年代末有关于摄影的艺术言论的文献资料汇集成册，使之流传。书中收录有陈万里《大风集自序》、《北京光社年鑒小言》、俞伯平、钱稻孙、顾颉刚为《大风集》所做序言以及众多文人雅士关于摄影艺术研究的原始文献。此书对陈万里的摄影艺术研究具有重要的文献参考价值，并且书中作者序言《弥足珍贵的摄影美学理论瑰宝——谈中国摄影艺术先驱们的理论贡献及美学范畴》系统的梳理中国近代的摄影艺术理论，并提出个人观点，为后世研究奠定基础[1]2。祝帅、杨简茹的《民国摄影文论》和陈申、徐希景的《中国摄影艺术史》对中国摄影史做了一个线性的梳理，对本文研究提供叙事背景。
陈万里的《”五四”时期的摄影生活回忆》，回忆了陈万里自己和朋友的摄影创作活动。许智方的《忆光社》与刘光华刊登在《大众摄影》1980年8期的《回忆北平的摄影活动》叙述北京光社老一辈摄影家的创作活动，还原一个真实的历史活动。
徐希景可以说是陈万里摄影的少有的研究者，其论文有《陈万里与中国摄影史的四个“第一”》、《新文化运动影响下的美术摄影》、《陈万里——中国摄影艺术的拓荒者》、《从匠艺到艺术——中国早期照相馆人像与肖像画的融合》、《“消遣”与“自我精神存在”——民国时期”美术摄影“民族风格的探索》。其中有探究民国摄影的文化背景也有陈万里摄影的研究，但是关于陈万里摄影的研究却是宏观论述，并没有解决根本问题。《从匠艺到艺术——中国早期照相馆人像与肖像画的融合》中论述摄影的转折也不是以陈万里为例，与选题并不冲突但是可以有所借鉴。其余如陈丽华《陈万里先生的道路》，朱传荣《以一心映万物——我所知道的陈万里》，等，并没有在微观的角度解决问题，只是在赞颂陈万里的贡献。李兴国、杨新磊《早期学者视阀中的摄影艺术》与龙熹祖的《中国近代摄影艺术美学文选》大同小异，只是论述更微观，有非常大的借鉴意义。
王镇富的《影像史学研究》将摄影作为一个学科，奠定了理论基础，十分重要。而以陈万里为个案研究的只有陈李鹏的《“摄影得以艺名于中土将由此始”——陈万里摄影艺术研究》，从文中可以看出
陈李鹏深受徐希景的影响，但是这篇文章也并没有解决实质性的问题，只是线性的梳理了陈万里的艺术摄影生涯。李艳绒的《中国20世纪20-30年代摄影艺术社团的历史研究》是以摄影社团为切入点，陈万里并为详细论述。王思源的《民国时期摄影的文化背景》十分详细的且多方面的论述摄影当时的文化背景，对于考证陈万里当时的文化背景十分有帮助。吴丹榕的《民国照相馆考》对于摄影传入初期作为技术的发展有梳理帮助。
一、摄影术传入后在中国的发展
1844年，摄影经澳门传入中国，尽管摄影作为西方科技的入侵品，但摄影在中国的发展绝不仅仅是一部西方科技在东方传播的历史[2]1。
摄影传入初期，国人对待摄影的态度与西方人刚接触到摄影时截然不同，西方有摄影亵渎之说，而国人持中庸态度，并不反感，并不害怕，也没有很重的的好奇心。中国人对待摄影态度的转变大致从19世纪60年代初开始，那时中国民间流传着外国人杀害中国孩子、用他们的眼睛拍摄照片的谣言[2]4-5。随着谣言的传播，摄影逐渐成为会摄人精气神的迷信器物。
在19世纪80年代，虽然有着骇人听闻的谣言流传，但在伶人名妓等为代表的休闲文化中，摄影掀起一个流行的小高潮。《沪江艳谱》有云：“西方摄影艺术广受赞誉，似乎已然胜过绘画。去留影的名妓已经成百上千，都是惧怕容颜老去。”[2]12摄影逐渐变的流行起来大都归功于伶人与青楼名妓的垂青——看重摄影作为名片的功能。对于他们来说，一方面，摄影像魔术一般能让青春永驻，另一方面，照片如名片一般可以让雇主拿在手中赏玩或者进行选择。在此摄影开始走向商业化。
慈禧太后是推动摄影流行的一个关键。慈禧太后虽然在晚年才开始拍照，但比起油画异常喜爱摄影，并将自己的照片赠予老罗斯福总统和国家元首，或命人把照片晒印多份，对外出售[2]27。对慈禧太后来说偏爱摄影的原因是看重摄影快速、高度写实以及复制迅速的优势，而摄影的名片化也成为协助帝制树立威信的工具。至此，摄影以名片形式的肖像照占据市场，这种繁荣的摄影景象源于本土资本主义工业
化的震动[2]29。
二、陈万里其人
1919年陈万里在北大担任校医一职，也时常绘画，但“往往画不到十分钟，就撕碎了”[1]118。因为不能画出心中所想之物，他十分苦恼。机缘巧合之下，陈万里接触到摄影，便一发不可收拾的爱上，此时，摄影对他来说是一个代替绘画表达自己情怀的工具。
1919年的北大，在经历新文化运动与五四运动后也处于一个改变当中，各种艺术社团层出不穷，同年冬，陈万里在美育的号召下，与黄振玉等人一同举办北大摄影校内展，并连续举办两年，大受好评。1923年，康有为为欧阳慧锵《摄影指南》写序，题字，使美术摄影在社会上造成一定的影响。同年陈万里、黄振玉、吴辑熙等人成立艺术写真研究会——光社前身。从“艺术写真研究会”字面上来看，陈万里等人，已将摄影当作一门艺术学科去研究发展，而在其社团活动中，摄影的主要对象从名片制肖像转变到静物、风景。
1921年2月21日，蔡元培在《北京大学日刊》中的《美学研究方法》中引用维泰绥克的话：“我们在自然界接触大与强的印象，如大海的无涯，非雷的横暴，都杂有非美学的分子，就是纯粹的美景，也有两种美术上的关系；（一）片断的，如山势，如树状等，与美术上单纯的的印象、色彩、形势一样。（二）统一的，如风景可摄影可入画的，我们也已经用美术的条件印证一过，已经看作美术品了”[1]57。
对比20世纪前后的肖像照片可以发现其中发生了一个翻天覆地的变化。一是客观外在的转变，尽管同为肖像摄影，但其构图、人物造型、背景均有变化。1919年以前肖像照片均为正面，端坐、站立、半身、全身不等，姿势僵硬且面无表情。如图1慈禧照片，便是一张典型的肖像名片，正面，端坐，全身，表情不自然。图2刘玄虎的《停眸》中有一亭亭玉立女子，双手抱书，呈歇站式，体态优美，如西方的女神雕塑，面容娇俏，笑容甜美，顾盼生辉，其拍摄背景也从室内转到大自然的绿叶红花下。图3陈万里人像，正侧面的肩像特写，从构图看完全颠覆传统肖像照片，更注入被摄者强烈的自我特征。在這
里摄影不再是为肖像而摄，肖像名片功能被削弱，摄影者和被摄者都变得有主观意识，从为肖像而摄变成自觉为美而摄，从盲目僵硬到主动探索。而此中摄影承担的社会功能也发生转变——从技术到艺术。这种主观内在的改变是在潜移默化之中形成。
三、美术摄影的自觉演变
1924年6月在北京中央公园举办光社第一次摄影展览集会，其中陈万里展出60余幅作品，并于同年选出12幅作品制成珂罗版，出版中国第一部个人摄影作品专集——《大风集》。如俞平伯题《大风集》首页“摄影得以艺名于中土，将由此开始。”这标志着中国摄影名片制到美术摄影的功能转折，也是陈万里对美术摄影的自觉体现[3]。
摄影不是一件易事，用摄影体现美更不是一件易事，所以陈万里《大风集》所推动的转折并不是偶然事件。1921年蔡元培对美术摄影的肯定，同时有美育氛围的渲染，1923年康有为张元济作序《摄影指南》，对摄影持肯定态度，同年光社成立，摄影活动变得有组织有交流，1924年光社摄影展，这些都一步一步推动美术摄影的前进与独立。因为“恨自己不能画，无已，惟有求之于摄影。”[4]到“摄影又岂是一件容易的事。”[1]118陈万里本身对摄影的定义已发生改变，摄影正是在陈万里手中从一个代替绘画的工具变为一门学问，才有名片制肖像到艺术自觉。他在《大风集》自序里说道“摄影背离了机械的动作及技术上的经验以外，对于取材，构图阴阳，向背种种方面都是重要的”[1]118。这些摄影方法正是陈万里向美术中所借鉴，他为了辅助照相术的进步，正是很勤勉的的练习画图[1]118。取材从单一的肖像到静物、风景，如谢赫六法论中气韵生动般抒发自我心中情感。构图更是打破僵局，如谢赫六法论中的经营位置，是认真构思后，结合取材创造出有新意的画面。阴阳便是向西方绘画学习光影，使画面不单薄更添意境。正如顾颉刚所说，“他的照相帮助着图画，他的图画帮助着照相，他的艺术的完成自然更顺利了”[1]134。正是陈万里的艺术自觉付诸于实践才促成了摄影方式艺术化的进步，而摄影方式的艺术化也推动美术摄影的独立。
如钱稻孙在《大风集》序中说“原来这摄影之术传入中国以来，年代已久，可是直到今日，依然是极少数人知道艺术化它，一般人连鉴赏都还不知道呢！”[1]130陈万里《大风集》的面世更是带有宣扬意义，宣告世界宣告中国，美术摄影从此独立，摄影不再是匠艺，摄影将是有独立艺术观的个体，如同美术，摄影将以其独特性在艺术界占一席之位。而美术摄影的艺术性并不只是一种个性美，“更重要的，在能表示中国艺术的色彩，发扬中国艺术的特点”[1]119。《大风集》不仅标志着摄影从技术到艺术的转折、美术摄影独立，更在在精神层面上升到国家民族，《大风集》是一个时代的剪影。如陈万里所期望的《大风集》“是一本无愧于中国人的摄影集”[1]119。
四、结论
自帝制时代瓦解后，关于摄影的谣言逐渐减少，尽管随着帝国主义资本入侵加剧激发起国人的爱国热情，底层国人的排外情绪加深，但并不影响摄影在这个民主、自由、文化自觉的时代脱离匠术走向文化上的独立。归根结底，美术摄影之所以能独立并得到肯定是离不开五四运动美育氛围的渲染，也离不开陈万里等人对摄影事业的满腔热情。
篇七：摄影毕业论文2000字
摄影论文1500字
篇一：摄影方面论文
浅谈摄影中蕴含的感情
【摘要】：摄影是一种艺术，一种同样包含感情的艺术。摄影现在在我们的生活中是非常常见的一种娱乐方式,信息时代的生活也随着摄影的发展而发生天翻地覆的变化,摄影作为一种视觉语言在人们生活中所占有的地位也越来越高,很大程度上,摄影已经成为了表达思想和情感的主要表现手段。在摄影创作中，个人的自我感受是整个创作过程中影响与评定所创作品的最重要的因素。所以每张照片中都隐藏着感情，或明显或含蓄。
【关键词】：摄影感情相机光线
【正文】：
摄影是一种世界性的语言,是一种表达人类思想和情感的艺术,摄影更是一种表达体系,是摄影者传递内心情感的一种最佳方式,就像人们用语言来说话、用文字来书写、作家用小说来传递自己的观点、画家用画笔描绘生命的色彩、歌手用歌声传递内心的情感。摄影师用的只有相机去捕捉生活那点点滴滴的美，那偶尔流露出的真挚情感。
摄影自产生以来就一直长盛不衰，随着科技的发展，相机也越来越先进，但是有些东西是永远不会变的，比如感情，有些摄影师用的还是傻瓜机，因为那种相机用了有感觉，更能表达出感情，这是科技产品无法替代的。比如影片《午夜巴塞罗那》中女主角克里斯蒂娜拍摄用的相机就是老式的相机，并且拍的照片那么的有感觉。通过影片也可以发掘出一些有用的东西。看着克里斯蒂娜在暗房里洗出来挂在墙上的一张张照片，那么的有艺术感。想要拍出有感情的照片，洗照片也是很重要的，必须要有自己的暗房自己亲手洗，这个步骤你可以理解为和照片的一种交流；感情的一种酝酿。
摄影是瞬间的艺术，已成定论，无论你怎样创造想象，如何自由发挥，都不能超脱“几分之1秒”这一时间限定，使摄影这门艺术有了它自身的局限性，而不像其他艺术种类如音乐、绘画、戏剧等可以天马行空、驰骋想象、显示出强烈的主观意识。但任何艺术都是人的艺术，人的因素才是决定的因素，在摄影创作中，毫无例外地要遵循这种艺术转换规律，即将自己的思想感情、艺术性灵转换1成摄影的语言，才能使得摄影艺术的过程成为一个复杂的多种因素互为关联、制约的审美过程。美学家高尔泰曾对“艺术”作过如下阐述“：任何人类的创造物，如果它不是表现一定的思想感情，它就不是艺术……”这个层次把烹饪、骑射兵法等技术概念，同作为美学对象的艺术概念区别开来。以此衡量摄影艺术，纯以观赏为主的艺术摄影自不必说，即使是纪实性的摄影作品。
表现主观意见受到极大限制的情况下，作者的主观情感也是通过作品这一艺术的瞬间体现出来的，也是观赏价值和使用价值并有的。文学巨匠托尔斯泰说过“：在自己心里唤起曾经一度体验过的感情，并且在唤起感情之后，用动作、线条、色彩、声音以及言语所表达的形象来传达出这种感情，使别人也能体验到这同样的感情———这就是艺术活动”。摄影既然是一门艺术，当然也受这一艺术规律所支配，只要细细品味回想一下，不难发现，成功的艺术摄影作品都是以情感
人的，作者的情感完全体现在创作之中。
摄影是一种艺术，一种同样包含感情的艺术。可是一般人只是把它当成一种工具，一种保留影像的工具，留影、留念，如果没有留下感情又有什么用，只能算是一个凭证，没有意义。
当然，摄影艺术认识、接受、传达情感的方式与其他艺术形式有所不同。情感本身的复杂性和摄影艺术情感传达的特殊性，决定了要拍好一幅作品，需要有一定的功力。我们对于生活、对于周围的世界会有各种各样的体验，情感则是人们对与之发生关系的客观对象的态度的体验，人类的情感生活只能在直接感受中把握，由于摄影作为艺术的特殊性，复杂的情感都集中在艺术的瞬间体现出来。在手拿相机进行创作时，“当我的右眼向外边张望时，我的左眼便向心中回视，因此，我所拍摄的对象，是我外在与内在两个世界交融的结果”。
可见摄影艺术的瞬间也是作者情感高度体现的瞬间，其瞬间生成所面临的客观对象已是人化了的世界，是基于摄影者高度的个人化的能力的体现，相机已不仅是一种工具，一种表现的媒介，而是我生命的一部分，是眼睛的延伸，心灵的撞击，相机所能看到的，也就是我心灵所感受的。由于摄影家各自的经历、阅历、文化素质、性格爱好等等不同，所以对情感的认识会有差异，在表现各自所认识的情感时，途径也多种多样，这就构成了情感表现的不同形式，这就是拍摄同一
事物，由于个人情感体验不同，拍摄的作品感人效果、表达方式也不同的原因所在。要用摄影语言表达情感信息，必须做到心细、眼疾、手快，要有扎实的功力，需要我们熟悉生活，靠平时的点滴积累，懂的东西多，对事物就理解的深，加上深厚的生活基础，作品自然有深度，而避免一般化。总之，艺术的瞬间是摄影作为艺术存在的基础，而审美的瞬间，才是创造艺术现象的决定性因素，才能完成情感体验的审美过程。
摄影作品的感情表现在许多方面，有许多摄影师喜欢现场光，因为现场光照片能传达一种真实的感情。因为很多现场的光照片中使用照明有限，不像使用人工照明摄影室那么完美，所以观众会有一种正在看着被摄影对象的感觉，很有真实感。
现场光不仅能传达出真实感，还能传达出一定的情感。场景可以是幽暗的，强调灰暗的心情；或者是明亮高调的，可以传达出一种欢快的感情。摄影师需要敏锐的观察场景周围的光线明暗，适时捕捉到胶片上。
情感是一张照片的灵魂，没有蕴含感情的照片只是一个死物，无法引起人们的共鸣。所以感情在摄影中是十分重要的。
【参考文献】：
《光与曝光》伍振荣著中国摄影出版社
《论摄影》
（美）桑塔格著，黄灿然译上海译文出版社
PS：这张照片是去年帮我同学拍的，背景是海，左边是我同学，右边是我同学的同学，在海边玩，同学的同学还有点拘谨，辽阔大海衬托出两个女孩子的天真无邪。
PS：世博上拍的一些有意思的照片，馆内馆外。不同光线
篇二：毕业论文《浅析摄影在平面设计中的表现》
浅析摄影在平面设计中的表现
庄志勇
（渭南师范学院美术学院艺术设计20xx级4班）
摘
要：摄影的核心就是用二维空间来表现客观对象，因此摄影在设计中所起的作用主要表现在视知觉的二维表现方面。设计与摄影都包括艺术表现、主题表现、科学表现、情景表现、娱乐表现、情感表现等。平面设计涵盖的内容非常
丰富，如：招贴设计、路牌广告设计、包装设计、图书封面设计、邮票设计、企业形象设计、插画设计等。数字时代的发展使得平面设计与摄影紧密联系在一起的，摄影在其中所起的最主要的作用是提供设计素材，启发创意。
关键词：平面设计；摄影；艺术活动
在我们日常生活中，无论是自然风光，花草树木，或其他主题。一个好的摄影作品有鲜明的主题，可以实现摄影师和观众和情感的交流和沟通。思维是摄影师发现和明确的主题的来源，从摄影到自然，生活，社会知觉，摄影师按下快门的那一刻就反映了表现的主题，反映了摄影师的观察，把握机会的能力，艺术表现和审美能力，定位等。除了艺术表现、主题表现外，摄影表现还有科学表现、娱乐表现、情感表现和情景表现等多种表现。由于拍摄的初衷不同，用途不同，对创作的要求也不同[1]。设计与摄影同样包括艺术表现、主题表现、科学表现、情景表现、娱乐表现、情感表现等。摄影与设计是具有创造性非常强的艺术，摄影构图或产品造型设计是影响业绩的艺术的一个重要因素。一方面艺术的表现反映了摄影师或者设计师技术的掌握和理解，另一方面，它显示了拍摄者的审美取向，审美文化。
一、摄影与设计的关系
从摄影的性质上看，摄影是一种造型艺术。千变万化的设计包括在二维空间内表现三维的平面艺术设计；在三维空间内进行的各种装饰设计，以及进行各种产品的发明等。因此，作为在二维空间内表现三维空间客观存在和客观事实的摄影与设计属同一种性质。从审美的角度看，摄影与设计都是创造性活动，也都是审美活动。不论是商业广告摄影，家庭娱乐摄影，还是风光、纪实摄影，都要求影像画面所传达的信息主题明确，并符合审美规律，这与平面广告设计、包装设计等在审美特征上是一致的。
从创作过程和创作要求上看，设计需要感觉加思考的，也是感性加理性的，设计的创造性非常重要，体现的是思维能力，审美能力以及发现问题和观察事物的能力。摄影同设计一样也是感觉加思考的，是感性加理性的，需要的是创造性，其
体现的同样是思维能力，审美能力以及发现问题和观察事物的能力[2]。摄影与其他各种设计活动都要求具有可实现性。数码摄影技术通过多媒体进一步发
展，数码摄影技术结合图像处理技术，推动和促进了设计的发展，数码相机、电脑取代了传统的工具，摄影已经成为设计中不可缺少的一部份。
二、摄影在设计中所起的作用
摄影的视知觉规律和审美与设计是相同的。在创意方面，设计师和摄影者都可以在想象的空间里自由驰骋。在创作方面，设计师和摄影者都必须以现实为依据，并抓住瞬间得到的灵感，从灵感和直觉感知中抓住事物的本质特征。在表现方面，设计一般用二维空间表现设计作品，摄影的核心就是用二维空间来表现客观对象，因此摄影在设计中所起的作用主要表现在视知觉的二维表现方面。具体来说，摄影在设计中所起的作用主要包括：作为设计创作的素材，作为设计创意的参考资料，记录设计过程和细节，用于成果存档等。另外摄影是培养一个人的审美情趣，提高创意思维能力、观察能力、思考能力、构图能力，以及运用光和色彩能力的一种非常有效的途径。
摄影的前期和后期加工在数码摄影技术产生和普及之前都是限制于相机和暗房的，摄影领域实现创新或充分表达摄影者的情感和艺术感受等是非常困难的。电子计算机的诞生，数码摄影技术的产生与普及，使的摄影、创意、设计变得容易。在广告设计中，摄影作品是非常重要的素材。以招贴为例：招贴主题明确后从摄影作品中根据各种照片的特点和每张照片给人知觉的不同感受，经过认真分析和思考，设计者根据主观选择比较适合作招贴的主题照片进行设计。版式设计方面可以将所选照片为主题放在一目了然的位子，加入自己的设计版面和设计意图将主题突显。
摄影与设计都是面向客观现实的主观活动。镜头所面对的是客观现实世界，摄影画面所体现的质感、美感源于客观现实存在，是客观现实的反映。因此，对摄影和设计来说，离开客观现实世界，离开了客观现实生活，摄影和设计就成为无源之水，无本之木。总之，摄影和设计都是通过艺术形象对现实生活中的美和丑进行反映。
三、摄影在平面设计中的表现
1.摄影与设计的形式语言
摄影和设计的形式语言直接关系摄影作品和设计作品的生命力和感染力。语言以传达意义为基本目的，视觉形式通过形态传达创作理念。视觉形式可以产生
信息交流的作用，具备了“语言”的所有重要特征。摄影是一种光影造型艺术的实践活动，摄影的形式语言有很多，如对称、节奏、韵律、协调、均衡、对比和
影调、线条、色彩、光线等[3]。设计作品和摄影作品的精神内涵都是靠其特有的形式语言表现出来的。对设计者和摄影者来说，对形式语言的掌握程度是检验其创作水准高低的标准。由于不同的设计师和摄影者对形式语言掌握的深度和广度不同，对形式语言的理解不同，运用不同，因此人们才能够欣赏到多姿多彩、风格各异的各种设计作品和摄影作品。从摄影创作和设计创作的角度看，摄影和设计赋予了作品不同的形式感，如空间感、立体感、质感、运动感、节奏感等。作品不同，所体现出的情感和精神内涵也不同。从摄影创作和设计创作的角度看，摄影和设计赋予了作品不同的形式感，如空间感、立体感、质感、运动感、节奏感等。作品不同，所体现出的情感和精神内涵也不同。
2.平面设计与摄影的视觉元素
色彩:平面与摄影中的色彩可以是色彩构成，也可以说是色彩的相互作用，是以人对色彩的知觉和心理效果出发，运用科学的方法，对复杂的色彩还原为幻想的基本要素，在空间的色彩使用变量，数量和质量，以一定规律去组合各构成之间的相互关系再创造出新的色彩过程。
图形：对于各种图像与图形的通用语。一个概念，视觉的一种思想也可以说是图形。独特的语言分析和直观的图像理解，意味着进化、重建，对客观世界的本质和内在的形成和关系。
文字:文字是人类记录语言的符号系统。在所有视觉媒体中，图片和文字是其两大构成要素。视觉传达的效果就受其影响。文字设计是一种构成技术，是增强视觉效果，提高作品的诉求力，赋予版面审美价值的。
3.平面设计与摄影元素的互动
写实和表意是在画面中色彩的主要是体现。对比构成、调和构成是其出现的形式，用色彩反应客观世界、营造气氛，表达情意是艺术家的目的，色彩的精神价值对人们的视觉有很大的影响作用，通过对色彩的运用，使作品的主题直达观者的精神层面，从而产生情感的共鸣。色彩的设计一般从三个方面去进行。色彩的色相；色彩的直接心理效应源自色彩的物理刺激对人的生理发生的直接影响。不同的色相对人的心理有着不同影响。色彩的明度：也就是色的亮度。在无色彩
中，由一个最高亮度为白色，最低色为黑色和中间从亮到暗的灰色系列组成，每个人对不同明度的统一色相的心理感受是不一样的。色彩的纯度：也就是色彩的鲜浊程度，它通常取决与一种颜色的波长单一程度。
平面和摄影的题材源自于自然和社会，不管是平面还是摄影，创作的原型不能离开客观世界，都是通过反应现实，将艺术家对生活的感知和情感通过艺术语言表达出来。摄影直接描写生活，再现生活。在摄影中表达艺术的真实，不能逾越生活的真实。平面是直接表现生活的艺术，艺术真实不等同于生活的真实，比生活的真实更高、更理想。
4.摄影在设计领域中的应用
摄影是艺术创作，但本质也是一种设计。数字时代，摄影与设计密切相关，摄影在设计活动中起着其他任何技术或活动都代替不了的作用。特别是与视觉和造型有关的设计，更是不能缺少摄影技术。
平面设计涵盖的内容非常丰富，如：招贴设计、路牌广告设计、包装设计、图书封面设计、邮票设计、企业形象设计、插画设计等。数字时代的平面设计与摄影紧密联系在一起的，摄影在其中所起的最主要的作用是提供设计素材，启发创意，以摄影照片为素材的平面设计作品[4]。在平面设计中我们可以用摄影来代替平面中的语言，而摄影我们也会以平面设计的要求去安排来以拍出的画面更美。摄影是不同于绘画的另一种艺术表现方式。平面设计作为一种信息传播模式。通过摄影作为一种通用的视觉语言将创意表达更加完善，同时，数字技术的出现大大扩展图形表达。时代和科学的进步和技术的发展以及更新的概念给摄影提供了更广阔的空间；给平面设计提供更多的可能性。
四、结语
平面设计的素材来自于生活，摄影记录生活某一画面的定格。摄影技术的发展与成熟推动了平面革命，图片以艺术的形式将平面设计主题，形象化、真实化。几乎所有人都可以看得懂。摄影技术的发展要求摄影者通过构图，灯光
色彩等因数去设计好，在按下快门后程现具有一定主题的照片。平面设计中插图是构成的一重要元素，摄影作品在平面设计中形成特殊的语言视觉，所以平面设计和摄影有着密不可分的关系，摄影对平面设计的分量在不断发展,作为设计师，应在“以人为本”的原则，对公众的接受心理为边界，利用平面视觉传达、图像、文
字、色彩的主要元素设计的创新品种，最有效的信息传达给观众，增加产品的受众意识，以达到最佳的信息广播和经济效益。社会经济和文化的发展促使摄影和平面设计成为了独立的两个学科，人们也越来越重视，它们各自发挥其特点、相互补充、相互促进。
（指导教师：段晓明）
参考文献:[1]澎彭.设计与摄影[M].北京：高等教育出版社，20xx，[2]王天平.广告摄影教程[M].北京：复旦大学出版社，20xx，[3]吕凤显.摄影人手册[M].北京：中国建筑工业出版社，20xx，[4]于仲安.人像摄影与平面设计[M].浙江:浙江摄影出版社,20xx，ComplementaryingraphicdesignandphotographyZHUANGZhiyong(Class4Grade20xx,AcademyofFineArtsdesignartdesign,WeinanTeachersUniversity)Abstract:Toobjectrepresentationistheuseoftwo-dimensionalspacephotographyphotographycore,sointhedesignmainlyintheroleoftwoperformanceaspectsofvisualperception.Designandphotography,includingart,scienceperformancetheme,sceneperformance,entertainment,emotion.Graphicdesigncoversthecontentisveryrich,suchas:posterdesign,advertisingdesign,packagingdesign,bookcoverdesign,thestampdesign,corporateimagedesign,illustrationdesign.Thedevelopmentofthedigitalagemakesthegraphicdesignandphotographytogether,photographyplaysthemainroleistoprovidedesign,creativity,tophotographyasthegraphicdesignworkmaterial.Keywords:Graphicdesign;photography;photographyartactivities
篇三：摄影基础论文
浅析人物摄影构图
【摘要】一幅优秀的摄影作品，是技术与艺术的综合体现，是人与大自然的合作结晶，它更来自于主观对客观物象的选取，这种选取不是轻易地按下你的快门，而是充分体现了你的艺术构想和审美取向。在摄影艺术中，摄影构图有着自己独特的形式规律。一幅成功的摄影作品，不仅在进行画面布局的时候是十分讲究的，而且它也要符合人们的视觉习惯。本论文通过景别在摄影中的运用技巧、特征，以及对照片风格的影响等方面做出了阐述。我们平时构图时可选择的拍摄方位有很多，在任何一个方位都可以作为拍摄点，拍出与众不同的画面，在摄影艺术中，摄影构图有着自己独特的形式规律。一幅成功的摄影作品，在进行画面布局的时候是十分讲究的，它既符合人们的生活规律，又符合人们的心理和视觉习惯。只有掌握了这些固有规律之后，在进行艺术实践的过程中，才能将最优美、最感人的艺术形象传迭给受众。或许有些人我们并没见过，但是我们总能通过照片形成对他们的性格认定。有的人是我们家人，儿时的朋友，通过一张张照片，我们可以捕捉到当时的情景。这就是我为什么选择人物的原因。现在无论是书上还是网络上，谈人物摄影的数不胜数，而我所选人物，就是希望通过这次的搜集，整理中，将我对人物摄影的点滴所学记录下来，细细的品味。
【关键字】构图技巧、正面、侧面、背面、特写、半身、全身
【正文】好的照片必须有一个主题——能表达普遍行寓意的主题；好的照片要把观众的注意力集中到趣味中心——被摄主体上；好的照片必须画面简洁，也就是所摄入必要的内容，而排除火压缩分散注意力的内容。
而现在所要谈的被摄主体，便是人。人像可以分为两大类：肖像与抓拍人像。无论被摄对象配合与否都可以拍摄到上述两类人像照片。所以，被摄对象是否意识到正被拍摄或者是否与摄影师进行配合，并不是区分两者的唯一标准。不管拍摄对象距离是远还是近，也不管他与你的关系是疏远还是亲近；无论是在摄影棚里拍摄还是在街头拍摄，无论被摄对象是你最爱的人还是偶尔路过的陌生人，你都要时刻记住有关构图的技术与技巧这些才是能够帮助你充分表达主题思想的最好办法。下面就由我来谈一谈人物摄影构图。构图就是指如何把人、景、物安排在画面当中以获得最佳布局的方法，是把形象结合起来的方法，是揭示形象的全部手段的总和。
一、构图技巧：艺术摄影更是如此，同样的地点，同样的内容拍出来的照片
效果都大不一样，有的平平淡淡，有的光彩夺目，其原因就在于优秀的摄影者对人物和景物进行了恰当的组织和处理，使人物的外貌和精神面貌甚至于内心思想都能在画面中适当地表现出来，这一切都需要拍摄者具有高超的构图知识和技巧。很多摄影大师，之所以被称为大师，就是他们能够利用高超的摄影技巧和构图知识，把许多被常人认为平淡无奇的景物，拍摄成令人赞叹的传世杰作。
摄影画面的构图，有被公认的一般性法则，但这些法则有时又不是绝对的，不可以生搬硬套。大家所能接受的一些构图法则，也常常会有例外，而且也会随
着时代的变化而改变，新生的将最终取代陈腐的。由此可见，艺术创作在表现方法上是极其灵活的，他没有既定的公式，也不应有僵死的，一成不变的教条，要依靠摄影者根据被摄现对象的具体情况，根据创作主题的要求和摄影者自己的创作意图进行灵活处理。摄影者在现场有充分的选择和决断的自由。这样说，并
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